Desde sus primeros experimentos nocturnos en pandemia hasta su formación en Berklee College of Music y su actual etapa académica en Chicago, Samuel Osorio ha construido una propuesta que convierte lo cotidiano en arte. Su música no busca el dramatismo forzado, sino la honestidad de los pequeños momentos: relaciones que no coinciden en tiempo, conversaciones pendientes, nostalgias ochenteras y texturas que combinan folk, síntesis modular e indie jazz.
En esta entrevista hablamos sobre el universo emocional de Tirado en el sofá, su visión DIY, la sensibilidad como herramienta creativa y la evolución hacia sonidos más oscuros y desafiantes. Un artista que equilibra producción, exploración académica e identidad propia dentro del indie colombiano, apostando por la autenticidad como su mayor declaración artística.
1. Estudiaste en Berklee y actualmente haces tu maestría en Chicago. ¿Cómo
ha influido esa formación internacional en tu identidad como artista colombiano?
Para mí, aprender del proceso de cómo gestar música de raíz es muy importante. Siempre he querido
aprender muchas técnicas de producción y maneras de conseguir sonidos interesantes y bien hechos,
por lo que siento que toda la formación me ha llevado a tener un gusto propio, una personalidad
mientras hago mi música.
Todas las herramientas que me ha brindado la academia las utilizo constantemente en mi música y
creo que son parte fundamental de lo que hago. Berklee es una universidad llena de muchos
estímulos creativos, en donde es fácil encontrar inspiración en cosas que uno no se imagina.
2. Tu música retrata situaciones cotidianas propias o de personas cercanas. ¿Por qué sientes que lo “normal” merece convertirse en arte?
Para mí es muy relevante que las cosas simples también sean arte. Mucha música se vuelve
realmente muy exigente de escuchar cuando hay mucha complejidad emocional que pone en la frontera
los momentos en los que se puede escuchar. Está bien simplemente escuchar música que hable de
cosas sencillas para poder disfrutarla sin un pretexto emocional denso.
3. ¿En qué momento pasaste de hacer canciones por diversión en GarageBand a entender que querías lanzar tu proyecto como artista?
Para mí, un salto grande fue cuando entendí que la música estaba lista por las opiniones de las demás
personas que la escuchaban. Es complicado cuando uno no tiene la certeza de si las cosas son
suficientemente buenas, pero hay factores externos que lo determinan bien. En mi caso, tuve la
fortuna de recibir una opinión muy buena de una persona importante, quien me ayudó a entender que
yo tenía que sacar esas cosas y no dejar que tuvieran más polvo en mi computador.
Sigue habiendo un montón de diversión de por medio, pero sin duda con una responsabilidad más
grande, pues siento que tengo que hacer cosas buenas, que la gente encuentre entretenidas. Es
como apretarse la corbata un poquito más, responsabilizarse más con la creatividad.
4. ¿Cómo fue ese proceso en el que tus canciones llegaron al A&R de una disquera
en Colombia? ¿Qué cambió en ti a partir de ahí?
En general, toda esa música me la he tomado con mucha delgadez. Siento que no me la tomaba del
todo en serio desde el punto de vista del lanzamiento. Esas cuestiones eran parte de mi tesis y yo
estaba trabajando muy duro en ellas, pero precisamente por un proceso personal, no necesariamente
porque las veía fuera.
Puedo decir que cuando yo entendí que tenía la capacidad de realmente trascender y hacerlas “lo
suficientemente buenas”, empecé a tomarlo con mucha más seriedad, a tomar más en serio mis
momentos de creatividad.
5. “Tirado en el sofá” nace de la historia de un amigo. ¿Cómo logras apropiarte emocionalmente de una experiencia que no es completamente tuya?
Me considero una persona muy sensible a mis alrededores y me preocupo mucho por la manera en la
que la gente se siente alrededor mío. Es una sensibilidad que creo que todos traemos con nosotros y,
en general, esas canciones pueden ayudar también a aliviar esa sensación de ser amigo y no saber
exactamente qué hacer.
Es una manera linda de retratar las situaciones sin necesariamente hacerles daño. También puedes
pensarlo como fuente de inspiración y no necesariamente como que vas a tatuar exactamente la
historia de verdad.
6. La canción habla de tiempos que no coinciden en una relación. ¿Qué crees que
hace tan universal esa sensación?
Pasar del enamoramiento a la realización de que las dos personas son distintas. Que todos manejan
sus tiempos y todos tienen sus peros dentro de una relación. Es una de las sensaciones más fuertes
que hay dentro de una relación, pero, simultáneamente, creo que también es una de las más
naturales. Precisamente por eso creo que lo hace muy universal.
7. Musicalmente incorporas violines, síntesis modular, lapsteel y elementos folk.
¿Cómo construyes esas “texturas” de las que hablas en tu proceso creativo?
Para esta canción creo que me tomé cada día específico para encontrar esos elementos. Me tomé el
tiempo necesario construyendo textura día a día, intentando hacer que lo que se me ocurriera y los
instrumentos que se me ocurrieran encajaran con la idea principal. Hubo un día de violines que fueron
cuatro horas de diálogo con la violinista; hubo otro día de síntesis modular en el que fui encontrando
sonidos durante dos horas.
Fue un proceso bien captado en donde encontré esas texturas respetando lo que ya estaba
existiendo.
8. El video de “Tirado en el sofá” es totalmente DIY. ¿Qué te interesaba transmitir con esa estética sencilla y cotidiana?
El proyecto sigue siendo independiente en el sentido de que yo hago todo. Muchas personas aportan,
pero sigue siendo algo totalmente gestado por mí y económicamente justificado por mí, por lo que
también creo que el DIY hace parte de la estética del momento que estoy pasando como artista, lo
cual también creo que le queda increíble. El pibe tirado en el sofá representa algo muy hogareño.
Esa estética cotidiana sirvió de ayuda, pues la temática de la canción se apoya muy bien en eso: en
no poder pasar tiempo con la persona y en una soledad que se muestra perfectamente en ese
atardecer donde no pasa nada más de lo que quiera la persona que está protagonizando el video,
quien notamos que no está acompañada.
9. “María José” tiene un sonido ochentero pero moderno. ¿Qué te atrae de
esanostalgia sonora?
Creo que las canciones románticas ochenteras me parecen muy clichés, pero son un elemento
fantástico para hacer una canción así. Esa nostalgia tenía un espacio muy lindo en donde habitaba
realmente un amor verdadero. Esta canción, que es muy sincera para mí, habitó muy bien en ese
estilo musical, que tiene mucha sinceridad y tanta sensibilidad.
10. Mencionas que podría haber sido creada por Benny Sings o Christopher
Cross.¿Qué elementos de esos referentes quisiste reinterpretar en tu propio
lenguaje?
La manera en la que ambos trabajan su contenido armónico, sumada con la forma en la que ellos
graban guitarras, creo que fue precisamente la raíz. Estas dos personas, de épocas distintas, se
comprometen a armar universos sonoros muy auténticos y creo que asumo un poco de ellos. En
Benny Sings podemos pensar en un sonido muy indie y hogareño, mientras que en Christopher Cross
hay un componente mucho más de producción profesional y sonidos más densos.
11. El video fue grabado en Usaquén, en Bogotá, con una estética analógica.
¿Qué simboliza para ti esa sensación de “disquete viejo acumulando polvo”?
Para mí, todo ese metraje que tenga elementos viejos trae consigo una fecha. La fotografía y el video
siempre se han visto muy atados a los medios tecnológicos que les permiten existir. Por ende, creo
que hay un montón de videos viejos y fotografías viejas que generan nostalgia porque recuerdan un
montón cuando las tecnologías no eran lo suficientemente buenas para hacer mejores cosas. Creo
que este es un elemento muy poderoso.
12. Las canciones del EP Tirado en el Sofá comparten una misma estética sonora y emocional. ¿Cómo describirías ese momento específico de tu vida?
Lo escribo realmente como novio universitario, en donde estamos teniendo problemas de juventud. Un
primer acercamiento al enamoramiento real, a los conflictos de amistades y a las decisiones que se
vuelven futuro.
13. Ahora estás preparando música más oscura y emocionalmente desafiante.
¿Qué diferencias encontraremos frente a tu EP debut?
Van a encontrar un montón de sensaciones similares, pero sin duda van a escuchar nuevas cosas.
Van a sentir un cambio rotundo en referencia y en la manera en la que yo mismo decido comunicarme
y qué musicalidad decido poner en esto.
14. ¿Cómo ha cambiado tu forma de escribir sobre el amor después de vivir una etapa más compleja en 2025?
En general, sigue siendo cotidiano en mi opinión. Creo que es más mi punto de vista frente a otro tipo
de problemas más reales dentro de una relación amorosa.
15. Estás trabajando una versión en vivo más rockera de “Lejos” grabada en
Boston.¿Qué te permite el formato en vivo que no encuentras en el estudio?
Tener un público enfrente realmente es otra historia. Es muy emocionante poder compartir la música
en vivo y ver las reacciones inmediatas de las personas que están ahí. Es algo que alimenta y, en mi
opinión, es adictivo, y cuando uno empieza a hacerlo, no quiere parar. Esta canción y este arreglo se
volvieron tan especiales precisamente por la reacción en vivo que tuvo. En el estudio creo que el rock
no es mi fuerte. Este género existe mucho mejor en los estadios.
16. Tu próximo sencillo “2is (dosis)” explora un sonido indie jazz. ¿Qué te atrae de
esasonoridad y hacia dónde quieres llevarla?
El jazz lleva siendo parte de mí desde hace un tiempo junto al indie. Esta sonoridad siempre me ha
generado una curiosidad natural. Hicimos esta canción entre tres amigos que tenemos intereses
similares en poner y plasmar un poco de nuestra opinión en este sonido.
17. Como productor, trabajas ayudando a otros artistas a “desencriptar” su
sonido.¿Cómo equilibras esa faceta con tu proyecto personal?
Me considero sensible con las necesidades musicales de las demás personas, por lo que siento que
puedo crear para ellas sin necesariamente encontrar un conflicto con mi proyecto personal. Ahora
bien, yo creo que tengo un sonido.
Era algo que me daba muchas vueltas al principio, cuando empecé a producir, pero con el tiempo
entendí que las personas se me acercan precisamente por esa sonoridad y que tener un tono
auténtico también es importante.
18. Empezaste componiendo en pandemia, grabando de noche para evitar el
ruido.¿Qué recuerdas de esa etapa formativa?
Recuerdo un montón de prueba y error y eso fue muy importante después. Esto determinó mi primer
acercamiento con mi propia decisión estilística y mi proceso creativo, lo cual fue muy importante de
ahí en adelante porque aprendí a comunicarme bien con mi creatividad.
Era un momento donde no tenía responsabilidades particulares con la música y exactamente eso me
dio el espacio de explorar con tranquilidad.
19. En un mercado saturado de música, ¿qué crees que hace única tu propuesta
dentro del indie colombiano?
Vale la pena escucharlo por la autenticidad de la propuesta. Es un sonido muy explorado, distinto y
arriesgado dentro del pop. Es algo que me llena de orgullo por su distinción.
20. ¿Qué te gustaría que alguien sintiera la primera vez que escuche tu música?
Me gustaría que simplemente se dejaran llevar y que pudieran escuchar una canción completa y
después sentir que la quieren volver a escuchar. Me emociona pensar que es de esas canciones que
uno escucha por primera vez y no se las cree, entonces las tiene que volver a escuchar después.
21. ¿Cuáles son tus metas a corto plazo en términos de shows en vivo,
colaboraciones y expansión hacia el público hispanohablante?
Mis metas a corto plazo son tocar en la ciudad en la que estoy viviendo actualmente, que es Chicago.
Me encantaría tocar en Bogotá igualmente, que también es mi ciudad natal. Y quiero seguir
extendiendo mi cadena de colaboraciones con artistas de Latinoamérica y demás.
22. Si tuvieras que definir hoy quién es Samuel Osorio como artista en una frase,
¿cuál sería?
Creativo dentro de la música, explorando emocionalidad.
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