Porretas: 35 años de barrio, rock y resistencia llegan por primera vez a Colombia


Después de más de tres décadas sobre los escenarios, Porretas sigue siendo sinónimo de barrio, amistad y rock sin filtros. Nacidos en Hortaleza, en el corazón obrero de Madrid, han construido una trayectoria sólida marcada por letras honestas, cargadas de crítica social, humor y vida cotidiana. Ahora, en el marco de su gira de 35 aniversario, la banda aterriza por primera vez en Colombia, un encuentro largamente esperado tanto por ellos como por sus seguidores. En esta entrevista, hablan de sus raíces, la evolución del punk, la conexión con el público latinoamericano y la energía que, después de tantos años, sigue intacta.

1. Después de más de tres décadas de carrera, ¿qué significa para ustedes llegar por primera vez a Colombia con su gira de 35 aniversario?

La verdad es que teníamos muchas ganas de tocar para la gente de Colombia y, aunque tarde, por fin vamos y nos hace mucha ilusión, y vamos con muchas ganas de hacer disfrutar a nuestros seguidores de Colombia.

2. Su música siempre ha estado muy ligada al “espíritu de barrio”. ¿Cómo ha evolucionado esa esencia desde sus inicios en Hortaleza hasta hoy?

Porretas somos un grupo que se ha criado y crecido en un barrio obrero de Madrid como Hortaleza y eso se ha notado mucho en nuestra manera de hacer canciones y sobre todo en las letras, ya que la vida de barrio, de amigos, de las cosas que nos pasaban, nos inspiraron mucho a la hora de hacer nuestras canciones y, bueno, nos sigue influenciando mucho las vivencias de nosotros mismos o cualquier persona de barrio.

3. Sus letras combinan crítica social con humor, cerveza y fútbol. ¿Cómo logran mantener ese equilibrio sin perder autenticidad?

No te lo podría explicar, es nuestra manera de ver la vida y así la contamos. 4.En este concierto prometen un repaso por clásicos como Marihuana o Última generación. ¿Cómo eligen el setlist para una ocasión tan especial?

Pues intentamos hacer un repaso, sobre todo, de los temas que más han gustado a la gente y, bueno, pasar un poco por todos los discos que hemos hecho. Aunque, la verdad, al tener 15 discos editados, es complicado elegir las canciones, siempre alguna se queda fuera.

5. Será su única presentación en Suramérica en 2026. ¿Qué expectativas tienen del público colombiano en comparación con el europeo?

De momento es la primera fecha en Latinoamérica, pero también iremos a Costa Rica y esperamos hacer algún lugar más de Latinoamérica en este 2026. Cuando hemos estado en lugares como Argentina, Uruguay o México, hemos notado que la gente es muy caliente y que vive el concierto a tope, y eso esperamos también de Colombia. Por lo que nos han contado otros grupos amigos que han tocado en este país, en los conciertos se crea un muy buen ambiente.

6. El punk ha cambiado mucho con los años. ¿Cómo ven hoy el estado del género en España y en el mundo?

Todo va cambiando o evolucionando con los años y, por lo que vemos en España, quizá haya menos gente joven, aunque también hay que seguir la música rock o punkrock, pero el público de toda la vida sigue siendo muy fiel a sus grupos y seguimos llenando muchos recintos y festivales.

7. ¿Qué papel ha jugado el rock & roll clásico en la construcción del sonido característico de Porretas?

Todo lo referente al rock nos ha influenciado, desde el hardrock, el heavy, el punk, el reggae... Yo creo que hemos hecho una mezcla de todo, pero llevándolo a nuestro rollo.

8. Este concierto se realizará en Capital Live. ¿Qué tipo de experiencia buscan generar en un espacio íntimo como este?

Simplemente disfrutarlo, hacer un concierto como son los de Porretas, en los cuales la participación de la gente es fundamental y hay mucha conexión con el público.

9. Después de tantos años, ¿qué los sigue motivando a subirse al escenario y mantener viva la energía de Porretas?

Aunque pasen los años, yo creo que es una de las cosas que más nos gusta hacer en esta vida. Tocar en directo y crear esa energía que no se puede comparar con otras cosas de la vida. Es fundamental para Porretas seguir subiéndonos al escenario, sentir el calor de la gente y darlo todo.

10. Si esta primera visita a Colombia abre la puerta a futuras giras en Latinoamérica, ¿qué países o ciudades les gustaría visitar próximamente?

Como te comenté antes, no es la primera vez que Porretas cruza el charco. Aunque no hemos ido demasiado, nos gustaría poder ir más y visitar sitios que nos quedan por ir, como Chile, Ecuador o Perú. También nos gustaría repetir Argentina, Uruguay y México.

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Reseña: Experimento de amor en Nueva York de Elena Armas

Editorial: Vr Europa
ISBN: 9788412622447
Idioma: Castellano
Número de páginas: 456 
Fecha de lanzamiento: 06/03/2023

Sinopsis: Rosie está desesperada. Solo tiene ocho semanas para escribir una novela romántica en medio de un horrible bloqueo creativo. Y además se le ha caído el techo encima, literalmente. Por suerte, puede refugiarse en el piso de Lina mientras ella está de viaje. 

Lo que Rosie no sabe es que Lucas, el primo de su mejor amiga y a quien ha estado acechando por Instagram, también se quedará allí. Lucas es una alma libre con abdominales de acero, sonrisa de ensueño, dotes de cocina y un par de secretos. 

Pero el plato fuerte es que le propone a Rosie un experimento que despertará mucho más que su inspiración. 

Mi opinión: Esta historia nos cuenta la historia de dos personas que no tendrían porque haberse conocido, pero que por azares del destino acaban compartiendo un piso con una sola cama. 

La verdad es que es una historia que me ha hecho reir mucho con las salidas de tono que tiene, pero no es una comedia al uso. Nos habla del dolor de las heridas sin cerrar y como las mentiras pueden acabar con la confianza de los que tenemos mas cerca. 

Es una novela que se lee muy rápido, ya que están constantemente pasando cosas que te hacen pensar hacia donde se dirigen las cosas entre los protagonistas, que son los que más ignorantes son en ese aspecto. 

Me ha gustado mucho que los secundarios sean tan importantes en alguna ocasiónen el que hacen despertar a los protagonistas. 

Es una historia que si no la habéis leído, os la recomendiendo totalmente, ya que yo me lo leí de un sentada. 

¿Lo habéis leído? Os leemos en comentarios

Renault 1000 kg – La furgoneta que movió a la Francia de posguerra


En el post de hoy os venimos a hablar de una furgoneta icónica de Renault. ¡Comencemos!

En la Francia de los años 40 y 50, cuando el país salía de los estragos de la Segunda Guerra Mundial, surgió un vehículo que marcaría toda una época: la Renault 1000 kg. Un icono del transporte ligero que puso en movimiento comercios, panaderías, empresas y mercados de todo el país.

Tras la guerra, la economía francesa necesitaba reconstruirse, y con ella la movilidad. Renault presentó en 1947 esta furgoneta pensada para el transporte de 1 tonelada de carga. Su diseño era simple, funcional y robusto, pero al mismo tiempo moderno para la época.

La Renault 1000 kg estaba basada en el chasis del Renault Primaquatre y heredaba su fiable motor de 4 cilindros y 2.383 cc, con unos 48 CV que le permitían alcanzar velocidades de 70-80 km/h.

Características:

Producción: 1947 – 1965

Capacidad de carga: 1.000 kg

Motor: 4 cilindros, 2.4 L, aprox. 48 CV

Transmisión: Manual de 3 velocidades

Tracción: Trasera

Diseño: Frontal aerodinámico, parabrisas dividido y faros redondos adelantados.

Versiones: Furgón cerrado, carrocerías personalizadas y adaptaciones especiales.

La Renault 1000 kg se convirtió en la furgoneta por excelencia para todo tipo de negocios: desde panaderías y lecherías hasta transportistas de dulces y vinos. En la foto de ejemplo, vemos una versión publicitaria para Barnier, famosa marca francesa de caramelos, un testimonio vivo de la época dorada del marketing sobre ruedas.

Hoy en día, al igual que la Citroën tipo H, estas furgonetas son auténticas joyas de coleccionista. Restaurarlas es un reto, pero su diseño retro y su historia las han convertido en piezas muy buscadas para exposiciones, rallies de clásicos y eventos vintage.

¿La conocíais? ¡Os leemos en los comentarios!

Reseñas: Shameless (Temporada 5)

 

En el post de hoy nuestra colaboradora Goiatz nos trae la reseña de la temporada 5 de Shameless. ¡Comencemos!

Goilli: La quinta temporada de Shameless muestra un periodo de aparente estabilidad en la familia Gallagher que, sin embargo, sigue marcada por dinámicas profundamente disfuncionales, decisiones impulsivas y la falta de redes de apoyo formales. Desde la perspectiva de una trabajadora social, esta etapa evidencia cómo la precariedad emocional y social no desaparece solo porque las crisis agudas se calmen momentáneamente: los factores de riesgo continúan latentes y, en muchos casos, se transforman en nuevas formas de vulnerabilidad.

Fiona intenta reconstruir su vida, ahora legalmente libre y con los hermanos de nuevo bajo su responsabilidad, pero vuelve a involucrarse emocionalmente en una relación inestable, esta vez con Gus, a quien se casa impulsivamente, mientras simultáneamente mantiene una relación con su ex, Jimmy. Esta conducta refleja una búsqueda urgente de afecto y validación, características frecuentes en personas con una historia prolongada de abandono y sobrecarga emocional. Su dificultad para establecer relaciones estables y seguras es un síntoma claro de agotamiento afectivo no resuelto.

Frank, tras sobrevivir al trasplante de hígado, muestra un cambio superficial, pero su conducta sigue siendo manipuladora y egoísta. Su capacidad para crear vínculos sanos es prácticamente inexistente, y su relación con Bianca, una mujer con cáncer terminal, se convierte en otro ejemplo de cómo utiliza el sufrimiento ajeno para satisfacer sus propios deseos. Desde un enfoque profesional, Frank sigue siendo una figura desestabilizadora y potencialmente peligrosa en el entorno familiar.

Lip comienza a adaptarse a la vida universitaria, pero enfrenta un fuerte conflicto identitario: se siente desconectado de sus raíces y simultáneamente no logra integrarse completamente en el entorno académico. Este choque cultural y emocional requiere acompañamiento, ya que representa un punto crítico para su desarrollo personal y puede definir su trayectoria vital. Su relación con una profesora mayor también plantea un desequilibrio de poder que podría analizarse desde una mirada de protección al joven en formación.

Ian, en pleno desarrollo de su trastorno bipolar, se niega a medicarse y rechaza el diagnóstico, lo que lleva a una desorganización total de su conducta. Su entorno más cercano, especialmente Mickey, intenta contenerlo sin recursos ni preparación, lo que genera una situación límite. Este es uno de los casos más urgentes en términos de intervención: se necesita atención psiquiátrica continuada, acompañamiento familiar, educación en salud mental y estrategias de cuidado compartido. La falta de diagnóstico precoz y de intervención preventiva permite que su situación se agrave hasta alcanzar niveles de riesgo real para su vida.

Debbie empieza a vivir la adolescencia con una fuerte necesidad de pertenencia e identidad, lo que la lleva a tomar decisiones importantes de forma precipitada, como la de buscar activamente quedarse embarazada. Esta situación pone en evidencia una grave falta de orientación afectivo-sexual, baja autoestima y ausencia de modelos saludables de desarrollo femenino. Es un caso típico donde la intervención educativa y afectiva temprana hubiera sido fundamental para evitar consecuencias a largo plazo.

Carl, por su parte, se sumerge en la delincuencia juvenil, cometiendo actos cada vez más graves que culminan con su ingreso en un centro de menores. Aunque su comportamiento es preocupante, también refleja la falta de límites, contención y referentes positivos. Este giro marca un punto de inflexión que podría haber sido evitado con intervención temprana, apoyo escolar y trabajo con figuras adultas de referencia.

Desde una visión profesional, esta temporada muestra cómo, sin apoyo formal ni programas de acompañamiento, las decisiones de los adolescentes se tornan cada vez más desorganizadas y arriesgadas. La familia Gallagher necesita, más que nunca, una red de protección real que combine intervención psicológica, orientación educativa, asistencia económica y presencia institucional constante. La aparente autonomía que muestran no es más que una respuesta a años de abandono sistémico, y esta temporada es una clara advertencia de que las consecuencias de esa desprotección están alcanzando un punto crítico.

¿La habéis visto? ¿Qué os ha parecido? ¡Os leemos en los comentarios!

#25 El ingeniero que cambió el mundo con un código... y no pidió nada a cambio


En el post de hoy os venimos a contar la historia detrás de los códigos QR, que estamos seguros de que los habéis usado más de una vez.
 
En 1994, el ingeniero japonés Masahiro Hara, de la empresa Denso Wave, desarrolló un sistema capaz de revolucionar la manera en que compartimos información: el código QR. Su objetivo era simple pero ingenioso: crear un método rápido para rastrear piezas dentro de las fábricas de Toyota.
 
A diferencia del código de barras tradicional, el nuevo diseño podía almacenar miles de caracteres, ser escaneado en cualquier dirección y resistir daños parciales, todo gracias a su estructura cuadrada y sus patrones de corrección de errores.
 
Pero lo más sorprendente no fue su tecnología, sino la decisión que vino después. Denso Wave registró la patente del código QR, pero renunció a cobrar derechos o restringir su uso. En otras palabras, dejaron que el mundo lo utilizara libremente.
 
Gracias a esa elección, los códigos QR se convirtieron en un lenguaje universal: aparecen en menús de restaurantes, billetes de avión, campañas publicitarias, hospitales, museos y hasta en monumentos históricos.
 
Todo porque un ingeniero y su equipo creyeron que compartir una idea vale más que guardarla.
 
¿Sabíais esto? ¿Qué os ha parecido? ¡Os leemos en los comentarios!

Reseñas: Super Mario Galaxy


Sinopsis: Secuela de 'Super Mario Bros: La película', basada en la saga 'Mario Galaxy'. Los hermanos Mario y Luigi y la princesa Peach emprenden una aventura hasta los confines del espacio y a través de la galaxia. 

Ziortza: Después del final de la primera película tenía muchas ganas de descubrir que es lo que nos iba a traer esta segunda parte, que nos amplia el universo en el que viven los hermanos y la princesa Peach. 

Es verdad que me ha encantado ver a Yoshi y la interacción que tiene sobre todo con Mario, y como Toad al principio le mira con desconfianza. Es una película en la que nos enseñan el universo y varios personajes nuevos que son parte de otros videojuegos y otros del universo de Mario. 

Me he reído en alguna ocasión con Bowser y su hijo, tienen una relación muy especial y el hijo hará todo lo posible para poder salvar a su padre y poder cumplir su sueño. 

Es una película muy colorida y con bastante acción, con escenas muy peculiares y vemos varios planetas que a mi me sorprendieron para bien. 

Hay alguna cosa que me ha fastidiado un poco la película pero, creo que en conjunto, es una película muy buena y muy entretenida. 

¿La habéis visto? Os leemos en comentarios

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Manuel: autenticidad, raíces y desamor convertido en canción


En una industria musical cada vez más marcada por las tendencias fugaces, Manu apuesta por la autenticidad y por una propuesta sonora que conecta generaciones. Su nuevo sencillo, “Bolerito”, mezcla la nostalgia del bolero y el son cubano con una sensibilidad pop contemporánea, dando vida a una historia de desamor, segundas oportunidades y emociones profundas. Influenciado por artistas como Fonseca, Carlos Vives y Gian Marco, el cantautor construye un universo musical donde las vivencias personales, las pérdidas y el amor se transforman en canciones capaces de tocar el corazón del público. En esta entrevista, Manu habla sobre su identidad artística, el proceso creativo detrás de “Bolerito” y el camino que lo lleva hacia su álbum debut en 2026.

1. Manu, ¿en qué momento sentiste que la música dejó de ser solo una pasión y se convirtió en una necesidad para contar historias?

Desde que tengo uso de razón, la música siempre ha tenido una necesidad en mi vida. Para cada momento .

2. Dices que te consideras un artista auténtico y genuino. ¿Qué situaciones de tu vida han moldeado esa identidad artística?

Cada experticia de vida desde la muerte de mi madre y el divorcio es una experiencia que me ha marcado mucho y la música es la que más me ha dado refugio .

3. ¿Cómo fue el proceso de apropiarte de la historia de tu amiga para convertirla en tuya en “Bolerito”? 

Me hice el protagonista de la historia y, a medida que iba escribiendo la canción, me imaginé ese proceso de desamor, pero a la vez de darle de nuevo la oportunidad, como a mí me pasó también.

4. “Bolerito” mezcla son cubano, bolero vieja guardia y pop, ¿cómo logras equilibrar lo clásico con lo contemporáneo sin perder frescura?

Con la genialidad de ganar músicos y productores con los que hemos trabajado, la canción en la que cada uno pone su magia hace que su esencia permanezca. Exproductor de Shakira, de sus primeros discos, Pies descalzos, donde están los ladrones, también el guitarrista de Juanes y grandes músicos de Colombia en percusión, vientos y voces.

5. ¿Qué descubriste emocionalmente sobre ti mismo al escribir una canción de desamor que no viviste en carne propia? 

Me identifiqué porque a mí también ya me había pasado una desilusión amorosa, pero me di la oportunidad de nuevo de amar y sí estoy de nuevo enamorado.

6. Has mencionado influencias como Fonseca, Carlos Vives, Gian Marco y Sin Bandera. ¿Qué elementos específicos de cada uno sientes que viven en tu propuesta musical? 

Propuesta vocal, arreglos , letras y creación sin precedentes de buena música. Y lo más importante es tocar los corazones de la gente.

7. También te inspiraste en “Colección de recuerdos” de Chucho Valdés junto a Gilberto Santa Rosa y en el afrobeat de Camilo. ¿Cómo dialogan esas referencias dentro de “Bolerito”?

Sabiendo que es un género muy completo y buenos elementos son referencia la esencia del género que se conecta con 3 generaciones Chucho Valdez , Gilberto Santa Rosa y Fonseca. La conexión es generacional; no pasa de moda este género.

8. El lyric video es una oda a sonidos de antaño como el bolero y el son cubano, ¿qué te atrae de esa estética vintage y por qué traerla al presente? 

Estamos volviendo a la era del reto y qué mejor que mostrarles cómo se escuchaban estos boleros de la época y en qué formatos y cómo crecimos escuchando música.

9. Hablas del amor como una fuerza transformadora. ¿Qué significa hoy el amor para ti en un mundo tan acelerado?

Es todo: Dios es amor y si no amamos, no podemos bajarle las revoluciones a este mundo tan convulsionado que está.

10. ¿Cuál ha sido el mayor reto al construir un movimiento musical con tu nombre en un mercado tan competitivo?

No perder la identidad y tratar de buscar otro tipo de sonido por tendencia o porque lo esté pegado para sonar, pero seguimos creyendo en la música hecha con buenos elementos y seguirlo intentando.

11. Tu primer EP salió en 2015 y ahora en 2025 presentas “Te vi”, ¿cómo ha evolucionado tu sonido en esta década? 

Bueno, yo en 2015 fui más de exploración, buscando sonido y encontrando la identidad; no fue del todo de mi gusto, pero logramos buenas letras. Se ha crecido del cielo a la tierra en cómo producir un disco, un EP y los sencillos, y la importancia de producir cada elemento, encontrando cada canción

12. ¿Qué puede esperar el público de tu álbum debut en 2026 que aún no haya escuchado de Manu? 

Que vayan, escuchen música fresca, fresca, un sonido original que no suena a nadie, sí, con muchos elementos del folclor, el pop y nuestra esencia

13. Cuando piensas en conquistar audiencias en Colombia, España y Latinoamérica, ¿qué te gustaría que sintieran la primera vez que escuchen tu música? 

Que sienta emoción, que vibren con cada canción y que pueda sentir que de esta manera estamos haciendo bien el trabajo.

14. ¿Cómo defines el sonido de Manu en una sola frase?

Autentico y Original

15. Si “Bolerito” fuera una escena de película, ¿cómo la describirías visualmente y qué estaría pasando en ese momento? 

En una barra, tomándonos algo, yo solo, y en ese mismo momento llega alguien que te cautiva y toca tu corazón, y comienzas a indagar si hay una oportunidad y a ver si el amor de verdad llegó .

Cuando los personajes de Pixar aún se equivocaban

En el post de hoy te vamos a contar otra curiosidad del mundo de la animación, esperemos que os guste. 

Si creciste viendo películas como “Bichos” (A Bug’s Life) o “Toy Story 2”, seguro recuerdas algo muy especial al final: esas “tomas falsas” o “escenas eliminadas” donde los personajes parecían cometer errores de rodaje, reírse o improvisar. Era una de las firmas más queridas de Pixar en los 90 y principios de los 2000.

Pero… ¿te has dado cuenta de que ya no existen en las películas más recientes? ¿Qué pasó con ellas?

A finales de los 90, Pixar todavía estaba construyendo su identidad. Querían que sus personajes se sintieran vivos, no solo dentro de la historia, sino también fuera de ella. Así nació la idea de mostrar “bloopers animados”, como si los personajes fueran actores que se equivocaban en el set de rodaje.

En “Bichos”, estrenada en 1998, los créditos finales mostraban escenas graciosas de los insectos olvidando líneas o tropezando con el decorado. Al público le encantó. Era una forma divertida de romper la cuarta pared y dar un toque humano a los personajes digitales.

El éxito fue tal que Pixar repitió la fórmula en “Toy Story 2” (1999) y “Monstruos S.A.” (2001). Esas “escenas falsas” se convirtieron en un pequeño ritual: quedarse hasta el final de los créditos valía la pena.

Hay varias razones por las que Pixar dejó de incluir esos momentos:

  1. Un cambio de tono.
    Con películas como Los Increíbles, Up o Inside Out, Pixar empezó a explorar temas más emocionales y adultos. Las tomas falsas, aunque divertidas, rompían el tono más serio o reflexivo de estas historias.

  2. Evolución del estilo narrativo.
    Antes, Pixar trataba a sus personajes como “actores”. Ahora, busca que el público los vea como seres reales dentro de su propio universo. Verlos actuar “fuera del personaje” ya no encaja con esa idea.

  3. Nuevos hábitos de consumo.
    En la era del streaming, la mayoría del público salta los créditos. Aquella tradición de quedarse en el cine hasta el final ya casi no existe, así que esos pequeños extras dejaron de tener sentido.

  4. Otras formas de contenido adicional.
    En lugar de bloopers, Pixar ahora ofrece cortos complementarios (como Bao o La luna) y series derivadas (Dug Days, Forky hace una pregunta). Son maneras distintas de seguir explorando sus personajes y mundos.

La última película de Pixar en incluir ese tipo de “tomas falsas” fue “Monstruos S.A.”, en 2001. Desde entonces, Pixar ha preferido cerrar sus historias con emoción o con una simple dedicatoria, no con humor.

Aun así, muchos fans recuerdan con cariño esos créditos llenos de risas animadas. Era una forma única de recordarnos que, detrás de cada historia, había un equipo de artistas que también se divertía creando.

Antes, Pixar hacía “tomas falsas” para humanizar a sus personajes y mantenernos riendo hasta el último segundo. Hoy, su estilo ha evolucionado hacia un tono más realista y emocional, y esos pequeños experimentos quedaron como un recuerdo entrañable de su etapa más juguetona.

Quizás algún día, en medio de tanta nostalgia, Pixar vuelva a sorprendernos con un guiño al pasado. Y si lo hacen, muchos nos quedaremos —como antes— sentados hasta el final de los créditos, esperando reírnos otra vez con esos viejos amigos animados.

¿Os habéis dado cuenta de esta curiosidad? ¿Los que crecisteis en los 90 os acordabais de ellas? Los leemos en los comentarios.