La mirada que captura historias by Lucía Garó


Bienvenidos a esta entrevista en la que nos adentramos en el apasionante universo de la fotografía de la mano de Lucía, una profesional con gran talento para inmortalizar instantes únicos a través de su cámara. Te invitamos a disfrutar de este encuentro lleno de creatividad y de imágenes que hablan por sí solas. 

1. Para quienes no te conocen… 
Soy Lucía Garó, fotógrafa profesional integral especializada en eventos corporativos, sociales y culturales. También trabajo fotografía lifestyle, producto e interiores, y creo contenido para marcas de fotografía y tecnología. A nivel personal, me interesa mucho la documentación de lugares, patrimonio, folclore y tradiciones de España y del arco Atlántico. Mi forma de trabajar es bastante directa: me gusta documentar lo que ocurre sin forzar demasiado las escenas. No busco intervenir en exceso ni construir algo artificial, sino observar y captar el momento tal cual es. También pongo mucha atención en los detalles, en cosas pequeñas que muchas veces pasan desapercibidas pero que ayudan a entender mejor el contexto. 

2. ¿Qué hizo que empezaras con la fotografía? 
Empecé con 14 años, hace ya unos 10. En mi casa siempre hubo esa costumbre de documentar: fiestas familiares, viajes… Mi abuelo, por ejemplo, era aficionado y tenía varias cámaras analógicas. Creo que todo viene un poco de ahí, de esa necesidad de guardar lo que pasa. Empecé casi sin darme cuenta, y poco a poco se fue convirtiendo en algo más serio. 

3. ¿Cuándo te compraste tu primera cámara? 
A los 14 años, con mis ahorros, me compré una Nikon D3200. Fue el inicio real. A los 16 empecé a trabajar de forma profesional, y al año siguiente di el salto a una D7500, y también fui adquiriendo ópticas más luminosas. En enero de 2025 cambié todo mi sistema a Sony para trabajo, y hace unos meses incorporé una Fuji para uso más personal y ligero. 

4. ¿Quién es tu inspiración? 
No soy una persona que necesite inspiración constante para crear, ni me considero especialmente dependiente de referentes. Al final, yo no creo, documento. Sí me interesa el trabajo de fotógrafos de la España de posguerra como Cristina García Rodero, Ramón Massats o Català-Roca, pero también el de mucha gente sin grandes nombres que se dedica a documentar lo que tiene cerca: tradiciones, vida cotidiana o cualquier viaje. Me inspira más lo que vivo que lo que consumo. 

5. ¿Cuál es tu estilo fotográfico y por qué? 
No me gusta ponerle una etiqueta a lo que hago. Si hay que definirlo de alguna manera, diría que es documental. Trabajo el color hacia tonos cálidos pero naturales, sin alterar demasiado la imagen. Me interesa que las fotos sean fáciles de leer, que no estén sobreeditadas ni forzadas. Prefiero mantener la coherencia con lo que realmente estaba pasando. 

6. ¿Equipo imprescindible? 
No tengo un equipo imprescindible como tal. Trabajo con lo que mejor se adapta a cada situación. Para mí es más importante la agilidad y poder responder bien a lo que está pasando que el equipo en sí. 

7. ¿Cómo seleccionas los lugares o sujetos? 
En realidad no los selecciono. A nivel profesional trabajo en eventos ya definidos, así que mi trabajo es adaptarme a ese contexto. Y en lo personal, simplemente salgo a pasear, a descubrir. Me interesa mucho el mundo rural del arco Atlántico: Galicia, Asturias, Irlanda, Escocia, Bretaña… zonas verdes, con identidad, donde todavía pasan cosas. No trabajo con modelos como tal. Suelo fotografiar a personas reales: gente que contrata mis servicios o situaciones que ocurren sin más. 


8. ¿Cuál es tu objetivo al capturar una imagen? 
Ninguno en concreto más allá de documentar. No busco transmitir conceptos complejos ni hacer lecturas raras que solo entiende quien las escribe. Me interesa crear un archivo visual de una época, algo que con el tiempo tenga valor por lo que muestra. 

9. ¿Alguna experiencia curiosa o divertida? 
Trabajando en este sector te pasa de todo. Desde jornadas muy exigentes, hasta tener que adaptarte constantemente a cambios o imprevistos. También hay una parte que no se ve tanto, como la relación con marcas o redes sociales, donde muchas veces acabas haciendo de comercial además de fotógrafa. Y luego está la parte más humana: en bodas, por ejemplo, es bastante habitual acabar escuchando la vida entera de alguien a las tres de la mañana, o lidiar con situaciones un poco surrealistas. También me ha tocado discutir con gente que no entiende el trabajo que hay detrás o que se mete donde no debe. Pero al final todo eso forma parte del trabajo y también le da contexto a lo que hacemos. 

10. ¿Consejo para quien empieza? 
Que aprenda, que lea y que practique. Veo mucha gente empezando sin haber leído ni lo básico, como el triángulo de exposición. La fotografía es mucho más amplia de lo que parece, y se empieza entendiendo la base. No solo manuales, también viendo fotos. Y sobre todo, no invertir directamente en lo último del mercado. Es mejor empezar con algo sencillo, aprender bien y, si de verdad te gusta, ya ir mejorando el equipo con criterio. 

11. ¿Algo más que añadir? 
No mucho más. Si alguien quiere ver mi trabajo, puede encontrarme en Instagram así: 
@lucia.garo → documentación de lugares 
@gustamelotradi → documentación de folclore 
@soyluciagaro → perfil profesional 



Ha sido un placer poder entrevistar a Lucía, esperamos que os paséis por sus perfiles ha disfrutar de las fotógrafias que saca.


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Flores y árboles: cuando la animación empezó a tomarse en serio

En 1932, Disney estrenó Flores y árboles, un cortometraje que marcaría un antes y un después en la historia del cine de animación. No se trataba solo de una nueva entrega de la serie Silly Symphonies, sino de una obra que acabaría cambiando la percepción de la animación como lenguaje artístico.

Ese mismo año, Flores y árboles hizo historia al convertirse en el primer cortometraje animado en recibir un Premio de la Academia, inaugurando la categoría que hoy conocemos como Óscar al Mejor Cortometraje de Animación. Este reconocimiento supuso un paso decisivo: la animación dejaba de ser vista como un simple entretenimiento o una rareza técnica para situarse al mismo nivel que el cine de acción real.

El logro fue aún más significativo por su apuesta tecnológica. En una época dominada por el blanco y negro, Disney se arriesgó a rehacer el cortometraje utilizando el Technicolor de tres tiras, un sistema que permitía una riqueza cromática nunca vista hasta entonces en el cine animado. El resultado fue un estallido de color que sorprendió tanto al público como a la crítica.

Con Flores y árboles, Disney no solo ganó un Óscar: demostró que la animación podía emocionar, innovar y aspirar a un reconocimiento artístico pleno. Un pequeño corto que, casi un siglo después, sigue siendo una pieza clave para entender la evolución del cine y de la cultura audiovisual.

El origen de “estar en números rojos”


En el mini-post de hoy os venimos a contar el origen de la expresión "estar en números rojos". ¡Comencemos!

Antes de que existieran los ordenadores, las hojas de Excel o la banca online, los libros de cuentas se llevaban a mano, en grandes libros de contabilidad.

Los comerciantes, banqueros y empresas usaban dos colores de tinta:

Negro → para los ingresos, dinero que entraba

Rojo → para las pérdidas, deudas o dinero que faltaba

Cuando una persona o empresa debía dinero, la cifra se escribía en rojo, para que destacara claramente como algo peligroso o negativo. Así que si al cerrar el mes tus cuentas estaban llenas de cifras rojas, significaba una sola cosa:

Habías gastado más de lo que tenías.

De ahí nace literalmente la expresión:

“Estar en números rojos” = estar en deuda o en pérdidas.

¿Por qué se elegía el color rojo?

El rojo siempre ha sido el color de la alerta, el peligro, la pérdida, lo que no va bien.

Por eso se usaba para marcar: impagos, deudas, déficit o cuentas negativas.

En inglés sigue existiendo exactamente igual: “to be in the red” significa estar endeudado.

¿Qué os ha parecido? ¿Tiene sentido que sí? ¡Os leemos en los comentarios!

Porretas: 35 años de barrio, rock y resistencia llegan por primera vez a Colombia


Después de más de tres décadas sobre los escenarios, Porretas sigue siendo sinónimo de barrio, amistad y rock sin filtros. Nacidos en Hortaleza, en el corazón obrero de Madrid, han construido una trayectoria sólida marcada por letras honestas, cargadas de crítica social, humor y vida cotidiana. Ahora, en el marco de su gira de 35 aniversario, la banda aterriza por primera vez en Colombia, un encuentro largamente esperado tanto por ellos como por sus seguidores. En esta entrevista, hablan de sus raíces, la evolución del punk, la conexión con el público latinoamericano y la energía que, después de tantos años, sigue intacta.

1. Después de más de tres décadas de carrera, ¿qué significa para ustedes llegar por primera vez a Colombia con su gira de 35 aniversario?

La verdad es que teníamos muchas ganas de tocar para la gente de Colombia y, aunque tarde, por fin vamos y nos hace mucha ilusión, y vamos con muchas ganas de hacer disfrutar a nuestros seguidores de Colombia.

2. Su música siempre ha estado muy ligada al “espíritu de barrio”. ¿Cómo ha evolucionado esa esencia desde sus inicios en Hortaleza hasta hoy?

Porretas somos un grupo que se ha criado y crecido en un barrio obrero de Madrid como Hortaleza y eso se ha notado mucho en nuestra manera de hacer canciones y sobre todo en las letras, ya que la vida de barrio, de amigos, de las cosas que nos pasaban, nos inspiraron mucho a la hora de hacer nuestras canciones y, bueno, nos sigue influenciando mucho las vivencias de nosotros mismos o cualquier persona de barrio.

3. Sus letras combinan crítica social con humor, cerveza y fútbol. ¿Cómo logran mantener ese equilibrio sin perder autenticidad?

No te lo podría explicar, es nuestra manera de ver la vida y así la contamos. 4.En este concierto prometen un repaso por clásicos como Marihuana o Última generación. ¿Cómo eligen el setlist para una ocasión tan especial?

Pues intentamos hacer un repaso, sobre todo, de los temas que más han gustado a la gente y, bueno, pasar un poco por todos los discos que hemos hecho. Aunque, la verdad, al tener 15 discos editados, es complicado elegir las canciones, siempre alguna se queda fuera.

5. Será su única presentación en Suramérica en 2026. ¿Qué expectativas tienen del público colombiano en comparación con el europeo?

De momento es la primera fecha en Latinoamérica, pero también iremos a Costa Rica y esperamos hacer algún lugar más de Latinoamérica en este 2026. Cuando hemos estado en lugares como Argentina, Uruguay o México, hemos notado que la gente es muy caliente y que vive el concierto a tope, y eso esperamos también de Colombia. Por lo que nos han contado otros grupos amigos que han tocado en este país, en los conciertos se crea un muy buen ambiente.

6. El punk ha cambiado mucho con los años. ¿Cómo ven hoy el estado del género en España y en el mundo?

Todo va cambiando o evolucionando con los años y, por lo que vemos en España, quizá haya menos gente joven, aunque también hay que seguir la música rock o punkrock, pero el público de toda la vida sigue siendo muy fiel a sus grupos y seguimos llenando muchos recintos y festivales.

7. ¿Qué papel ha jugado el rock & roll clásico en la construcción del sonido característico de Porretas?

Todo lo referente al rock nos ha influenciado, desde el hardrock, el heavy, el punk, el reggae... Yo creo que hemos hecho una mezcla de todo, pero llevándolo a nuestro rollo.

8. Este concierto se realizará en Capital Live. ¿Qué tipo de experiencia buscan generar en un espacio íntimo como este?

Simplemente disfrutarlo, hacer un concierto como son los de Porretas, en los cuales la participación de la gente es fundamental y hay mucha conexión con el público.

9. Después de tantos años, ¿qué los sigue motivando a subirse al escenario y mantener viva la energía de Porretas?

Aunque pasen los años, yo creo que es una de las cosas que más nos gusta hacer en esta vida. Tocar en directo y crear esa energía que no se puede comparar con otras cosas de la vida. Es fundamental para Porretas seguir subiéndonos al escenario, sentir el calor de la gente y darlo todo.

10. Si esta primera visita a Colombia abre la puerta a futuras giras en Latinoamérica, ¿qué países o ciudades les gustaría visitar próximamente?

Como te comenté antes, no es la primera vez que Porretas cruza el charco. Aunque no hemos ido demasiado, nos gustaría poder ir más y visitar sitios que nos quedan por ir, como Chile, Ecuador o Perú. También nos gustaría repetir Argentina, Uruguay y México.

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Reseña: Experimento de amor en Nueva York de Elena Armas

Editorial: Vr Europa
ISBN: 9788412622447
Idioma: Castellano
Número de páginas: 456 
Fecha de lanzamiento: 06/03/2023

Sinopsis: Rosie está desesperada. Solo tiene ocho semanas para escribir una novela romántica en medio de un horrible bloqueo creativo. Y además se le ha caído el techo encima, literalmente. Por suerte, puede refugiarse en el piso de Lina mientras ella está de viaje. 

Lo que Rosie no sabe es que Lucas, el primo de su mejor amiga y a quien ha estado acechando por Instagram, también se quedará allí. Lucas es una alma libre con abdominales de acero, sonrisa de ensueño, dotes de cocina y un par de secretos. 

Pero el plato fuerte es que le propone a Rosie un experimento que despertará mucho más que su inspiración. 

Mi opinión: Esta historia nos cuenta la historia de dos personas que no tendrían porque haberse conocido, pero que por azares del destino acaban compartiendo un piso con una sola cama. 

La verdad es que es una historia que me ha hecho reir mucho con las salidas de tono que tiene, pero no es una comedia al uso. Nos habla del dolor de las heridas sin cerrar y como las mentiras pueden acabar con la confianza de los que tenemos mas cerca. 

Es una novela que se lee muy rápido, ya que están constantemente pasando cosas que te hacen pensar hacia donde se dirigen las cosas entre los protagonistas, que son los que más ignorantes son en ese aspecto. 

Me ha gustado mucho que los secundarios sean tan importantes en alguna ocasiónen el que hacen despertar a los protagonistas. 

Es una historia que si no la habéis leído, os la recomendiendo totalmente, ya que yo me lo leí de un sentada. 

¿Lo habéis leído? Os leemos en comentarios

Renault 1000 kg – La furgoneta que movió a la Francia de posguerra


En el post de hoy os venimos a hablar de una furgoneta icónica de Renault. ¡Comencemos!

En la Francia de los años 40 y 50, cuando el país salía de los estragos de la Segunda Guerra Mundial, surgió un vehículo que marcaría toda una época: la Renault 1000 kg. Un icono del transporte ligero que puso en movimiento comercios, panaderías, empresas y mercados de todo el país.

Tras la guerra, la economía francesa necesitaba reconstruirse, y con ella la movilidad. Renault presentó en 1947 esta furgoneta pensada para el transporte de 1 tonelada de carga. Su diseño era simple, funcional y robusto, pero al mismo tiempo moderno para la época.

La Renault 1000 kg estaba basada en el chasis del Renault Primaquatre y heredaba su fiable motor de 4 cilindros y 2.383 cc, con unos 48 CV que le permitían alcanzar velocidades de 70-80 km/h.

Características:

Producción: 1947 – 1965

Capacidad de carga: 1.000 kg

Motor: 4 cilindros, 2.4 L, aprox. 48 CV

Transmisión: Manual de 3 velocidades

Tracción: Trasera

Diseño: Frontal aerodinámico, parabrisas dividido y faros redondos adelantados.

Versiones: Furgón cerrado, carrocerías personalizadas y adaptaciones especiales.

La Renault 1000 kg se convirtió en la furgoneta por excelencia para todo tipo de negocios: desde panaderías y lecherías hasta transportistas de dulces y vinos. En la foto de ejemplo, vemos una versión publicitaria para Barnier, famosa marca francesa de caramelos, un testimonio vivo de la época dorada del marketing sobre ruedas.

Hoy en día, al igual que la Citroën tipo H, estas furgonetas son auténticas joyas de coleccionista. Restaurarlas es un reto, pero su diseño retro y su historia las han convertido en piezas muy buscadas para exposiciones, rallies de clásicos y eventos vintage.

¿La conocíais? ¡Os leemos en los comentarios!

Reseñas: Shameless (Temporada 5)

 

En el post de hoy nuestra colaboradora Goiatz nos trae la reseña de la temporada 5 de Shameless. ¡Comencemos!

Goilli: La quinta temporada de Shameless muestra un periodo de aparente estabilidad en la familia Gallagher que, sin embargo, sigue marcada por dinámicas profundamente disfuncionales, decisiones impulsivas y la falta de redes de apoyo formales. Desde la perspectiva de una trabajadora social, esta etapa evidencia cómo la precariedad emocional y social no desaparece solo porque las crisis agudas se calmen momentáneamente: los factores de riesgo continúan latentes y, en muchos casos, se transforman en nuevas formas de vulnerabilidad.

Fiona intenta reconstruir su vida, ahora legalmente libre y con los hermanos de nuevo bajo su responsabilidad, pero vuelve a involucrarse emocionalmente en una relación inestable, esta vez con Gus, a quien se casa impulsivamente, mientras simultáneamente mantiene una relación con su ex, Jimmy. Esta conducta refleja una búsqueda urgente de afecto y validación, características frecuentes en personas con una historia prolongada de abandono y sobrecarga emocional. Su dificultad para establecer relaciones estables y seguras es un síntoma claro de agotamiento afectivo no resuelto.

Frank, tras sobrevivir al trasplante de hígado, muestra un cambio superficial, pero su conducta sigue siendo manipuladora y egoísta. Su capacidad para crear vínculos sanos es prácticamente inexistente, y su relación con Bianca, una mujer con cáncer terminal, se convierte en otro ejemplo de cómo utiliza el sufrimiento ajeno para satisfacer sus propios deseos. Desde un enfoque profesional, Frank sigue siendo una figura desestabilizadora y potencialmente peligrosa en el entorno familiar.

Lip comienza a adaptarse a la vida universitaria, pero enfrenta un fuerte conflicto identitario: se siente desconectado de sus raíces y simultáneamente no logra integrarse completamente en el entorno académico. Este choque cultural y emocional requiere acompañamiento, ya que representa un punto crítico para su desarrollo personal y puede definir su trayectoria vital. Su relación con una profesora mayor también plantea un desequilibrio de poder que podría analizarse desde una mirada de protección al joven en formación.

Ian, en pleno desarrollo de su trastorno bipolar, se niega a medicarse y rechaza el diagnóstico, lo que lleva a una desorganización total de su conducta. Su entorno más cercano, especialmente Mickey, intenta contenerlo sin recursos ni preparación, lo que genera una situación límite. Este es uno de los casos más urgentes en términos de intervención: se necesita atención psiquiátrica continuada, acompañamiento familiar, educación en salud mental y estrategias de cuidado compartido. La falta de diagnóstico precoz y de intervención preventiva permite que su situación se agrave hasta alcanzar niveles de riesgo real para su vida.

Debbie empieza a vivir la adolescencia con una fuerte necesidad de pertenencia e identidad, lo que la lleva a tomar decisiones importantes de forma precipitada, como la de buscar activamente quedarse embarazada. Esta situación pone en evidencia una grave falta de orientación afectivo-sexual, baja autoestima y ausencia de modelos saludables de desarrollo femenino. Es un caso típico donde la intervención educativa y afectiva temprana hubiera sido fundamental para evitar consecuencias a largo plazo.

Carl, por su parte, se sumerge en la delincuencia juvenil, cometiendo actos cada vez más graves que culminan con su ingreso en un centro de menores. Aunque su comportamiento es preocupante, también refleja la falta de límites, contención y referentes positivos. Este giro marca un punto de inflexión que podría haber sido evitado con intervención temprana, apoyo escolar y trabajo con figuras adultas de referencia.

Desde una visión profesional, esta temporada muestra cómo, sin apoyo formal ni programas de acompañamiento, las decisiones de los adolescentes se tornan cada vez más desorganizadas y arriesgadas. La familia Gallagher necesita, más que nunca, una red de protección real que combine intervención psicológica, orientación educativa, asistencia económica y presencia institucional constante. La aparente autonomía que muestran no es más que una respuesta a años de abandono sistémico, y esta temporada es una clara advertencia de que las consecuencias de esa desprotección están alcanzando un punto crítico.

¿La habéis visto? ¿Qué os ha parecido? ¡Os leemos en los comentarios!

#25 El ingeniero que cambió el mundo con un código... y no pidió nada a cambio


En el post de hoy os venimos a contar la historia detrás de los códigos QR, que estamos seguros de que los habéis usado más de una vez.
 
En 1994, el ingeniero japonés Masahiro Hara, de la empresa Denso Wave, desarrolló un sistema capaz de revolucionar la manera en que compartimos información: el código QR. Su objetivo era simple pero ingenioso: crear un método rápido para rastrear piezas dentro de las fábricas de Toyota.
 
A diferencia del código de barras tradicional, el nuevo diseño podía almacenar miles de caracteres, ser escaneado en cualquier dirección y resistir daños parciales, todo gracias a su estructura cuadrada y sus patrones de corrección de errores.
 
Pero lo más sorprendente no fue su tecnología, sino la decisión que vino después. Denso Wave registró la patente del código QR, pero renunció a cobrar derechos o restringir su uso. En otras palabras, dejaron que el mundo lo utilizara libremente.
 
Gracias a esa elección, los códigos QR se convirtieron en un lenguaje universal: aparecen en menús de restaurantes, billetes de avión, campañas publicitarias, hospitales, museos y hasta en monumentos históricos.
 
Todo porque un ingeniero y su equipo creyeron que compartir una idea vale más que guardarla.
 
¿Sabíais esto? ¿Qué os ha parecido? ¡Os leemos en los comentarios!