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La Bandada: el “pop místico” que convierte la literatura y las causas sociales en canciones

By    julio 05, 2026 // No comments

Desde Medellín, La Bandada ha construido una propuesta artística que trasciende los límites de la música convencional. Integrada por mujeres provenientes del teatro, la música y las artes escénicas, la agrupación fusiona literatura, dramaturgia, cuerdas andinas y ritmos contemporáneos para dar vida a lo que ellas mismas denominan “pop místico”. Su más reciente sencillo, Vivir en Ti, rinde homenaje a los donantes de órganos y sangre a través de una mirada sensible sobre la gratitud, la solidaridad y la segunda oportunidad de vivir. En esta entrevista, la banda habla sobre sus orígenes, sus influencias literarias, el compromiso social de sus canciones y los retos de llevar su propuesta a escenarios internacionales.

1. ¿Cómo nació La Bandada y qué motivó la creación de este proyecto musical en Medellín en 2021?

La Bandada nace en marzo de 2021, en plena pandemia, del encuentro de varias mujeres que veníamos del teatro, la música y la literatura. Lo que nos juntó fue una pregunta que sonaba sencilla pero que terminó siendo nuestra columna vertebral: ¿cómo suena un libro cuando se canta? Queríamos hacer canciones que tuvieran la fuerza emocional de la música y la profundidad de la palabra escrita — que las dos cosas se sostuvieran entre sí, sin que ninguna le quitara espacio a la otra. Medellín era el lugar natural para que esto pasara: una ciudad con una escena musical viva, con muchas mujeres haciendo cosas valientes, y con un ecosistema de estímulos públicos que en esos primeros años nos dio el aire para arrancar. La Bandada nace ahí — en una ciudad que sabe escuchar y entre mujeres que querían cantar lo que les estaba pasando por dentro.

2. ¿De qué manera la formación en teatro, música y artes escénicas de sus integrantes influye en la identidad artística de la agrupación?

Esa formación es probablemente lo que más nos diferencia. Las tres venimos de mundos distintos pero complementarios: Alejandra Pulgarín es licenciada en teatro de la Universidad de Antioquia, Karen Castaño es técnica en música y actriz formada en la Escuela de Artes Débora Arango, y Jessica Duque es tecnóloga en música de la misma escuela. Eso significa que para nosotras una canción nunca es solo audio: es también cuerpo, presencia, texto interpretado, gesto. Bajo la dirección escénica de Julián Pineda — maestro en arte dramático de la Universidad de Antioquia — cada concierto se trabaja como una pieza teatral: hay arco dramático, hay vestuario conceptual, hay cuerpo en escena. Esa mezcla entre lo musical y lo teatral nos permite hacer algo que no es solo concierto y tampoco es solo obra — es una experiencia híbrida donde la canción es uno de los lenguajes, pero no el único. La Bandada define su propuesta como "pop místico".

3. ¿Qué significa este concepto para ustedes y cómo se refleja en sus canciones?

"Pop místico" es, antes que una etiqueta de género, un intento de nombrar algo que sentíamos que aún no estaba nombrado. Es una categoría que decidimos inventarnos porque las que ya existían no nos alcanzaban para describir lo que estábamos haciendo. Pop, por un lado, porque queremos ser accesibles: nos importan los estribillos memorables, las melodías que se pueden cantar, las canciones donde cualquiera pueda entrar y recordar. Y místico, por el otro, porque entendemos la música como una de las formas más antiguas que tiene el ser humano de conectarse con lo divino — entendiendo lo divino no como algo lejano o religioso en sentido estricto, sino como aquello sagrado que nos rodea en la cotidianidad: el cuidado, el cuerpo, la pérdida, el amor, los actos pequeños que cambian destinos.

La fusión de esas dos palabras — pop y místico — habla de algo que para nosotras está en el centro del proyecto: lo popular y lo sagrado no son universos separados. Una canción que suena en una camioneta, en la fila del banco o en una sala de espera puede ser tan profunda como un rezo. Y a la inversa, lo que parece sagrado muchas veces vive en gestos ordinarios — alguien que dona sangre sin saber para quién, una madre que canta a su hija, una desconocida que sostiene a otra cuando se cae. Vivir en Ti es exactamente eso: una canción accesible que habla de algo sagrado.

Nombrar nuestra propuesta como "pop místico" es también un ejercicio de identidad. Sabemos que el mercado funciona con géneros, y que las bandas que no caben en una etiqueta clara tienen un camino más difícil. Pero preferimos inventar nuestra propia categoría a forzarnos a entrar en una que ya existe y que no nos representa del todo. Es un riesgo comercial, sí, pero también es un acto de búsqueda — una manera de decir: esto que estamos haciendo merece su propio nombre. La identidad propia, para nosotras, vale más que la facilidad de ser catalogadas.

4. ¿Por qué decidieron fusionar géneros como el afrobeat y las cuerdas andinas dentro de su sonido? 

Porque queríamos un sonido que tuviera raíz y a la vez capacidad de viajar lejos. Las cuerdas andinas — el charango, el tiple, la bandola, la guitarra andina — son la memoria sonora de nuestro territorio. Latinoamérica suena así: a montaña, a copla, a canción de raíz. Pero al mismo tiempo queríamos sacar ese sonido del marco folclórico, llevarlo a otro lado. Ahí entró el afrobeat — no como ornamento exótico, sino como pulsación. El afrobeat es un género global hoy, con una potencia rítmica y emocional enorme, y al cruzarlo con las cuerdas andinas pasa algo interesante: la canción se vuelve bailable sin perder profundidad. Es una fusión que reconoce las dos diásporas que nos atraviesan como latinoamericanas — la indígena y la africana — y las pone a conversar en una misma canción. Y al hacerlo, nos permite proponer una manera de sonar que sea radicalmente nuestra y a la vez radicalmente contemporánea.

5. ¿Qué papel juegan la literatura, la poesía y la dramaturgia en el proceso de composición de sus canciones?

Son el punto de partida casi siempre. Nuestro repertorio toma como pretexto a autores como Angélica Liddell, Shakespeare, Charles Bukowski, Edgar Allan Poe, Alfonsina Storni y Sarah Kane, además de dramaturgias y relatos del territorio colombiano. La Julieta nace de una relectura feminista de Shakespeare. Ya'aburnee parte de la palabra árabe que nombra el deseo de morir antes que una persona cuya ausencia sería insoportable, y se construye con citas de varios autores. Un pájaro azul es una canción inspirada en el poema homónimo de Bukowski. Lo que hace la literatura por nosotras es darnos lugares emocionales que ya están explorados con mucha hondura por escritores que sabemos que saben — y nuestro trabajo es traducir ese pensamiento al lenguaje de la canción, sin perder la profundidad pero sí ganando ritmo, cuerpo, voz. La literatura nos enseña a escribir mejor las canciones que no parten de ella; nos enseña a respetar la palabra.

6. ¿Cómo surgió la idea de crear "Vivir en Ti" como homenaje a los donantes de órganos y sangre?

Vivir en Ti nace de un lugar que ya nos venía dando vueltas hace tiempo. Como banda, seguimos campañas y causas sociales que hablan de los cuidados, del cuerpo, de las cosas que se hacen por los demás sin esperar nada a cambio — y la donación de órganos y de sangre es una de esas conversaciones que en Colombia y Latinoamérica todavía pasan demasiado bajo el radar. Hay miles de personas esperando un trasplante o una transfusión, y al mismo tiempo hay miles de personas que podrían donar y no lo hacen porque nadie les ha contado lo que significa, o porque el tema sigue rodeado de mitos y silencios. Quisimos hacer una canción que entrara por otro lado: no desde la pedagogía, no desde la estadística, sino desde la emoción pura. Desde la voz de alguien que recibe ese regalo y no puede creer que exista. La canción está narrada desde la voz de quien recibe una segunda oportunidad de vida.

8. ¿Qué buscaban transmitir a través de esa perspectiva?

Quisimos cantar desde el asombro. Imagínense la pregunta que debe atravesar a alguien que recibe un órgano o una transfusión: "alguien que no me conocía decidió, en algún momento, dar algo de sí para que yo pudiera vivir — ¿cómo se le agradece eso?" Esa pregunta no tiene una respuesta racional, solo una respuesta emocional. Y la canción es esa respuesta. Quisimos que la gente entrara en la canción como entra el que recibe: confundido, agradecido, lleno de preguntas, transformado para siempre. "No sé tu voz, no sé tu andar, pero tu fuerza me enseñó a regresar." Esa estrofa lo dice todo: el agradecimiento a un desconocido es uno de los gestos más intensos que un ser humano puede experimentar — y al mismo tiempo es un gesto callado, íntimo, casi imposible de comunicar. La canción intenta nombrar eso. 

También nos importaba que la perspectiva de quien recibe sirviera como espejo para quien escucha. Si alguien que está pensando si quiere ser donante o no oye esta canción y siente — aunque sea por tres minutos — lo que sentiría la persona que pudiera vivir gracias a su decisión, entonces la canción está haciendo su trabajo.

9. ¿Cómo fue el proceso de producción de "Vivir en Ti" y qué importancia tienen elementos como el piano, el violín y las armonías vocales en la construcción de su atmósfera emocional?

La letra llegó primero, casi entera, antes de que entendiéramos del todo qué estábamos diciendo. A partir de ahí, la música se fue armando alrededor de la palabra — no al revés. Queríamos una producción despojada, casi de cámara, para que la letra respirara y nada la tapara.

El piano fue el primer instrumento en aparecer: sostiene la fragilidad de las primeras estrofas, marca el pulso emocional desde el principio. El violín entró después como una capa más íntima, casi confesional — es ese instrumento que parece estar hablando al oído, que aporta una textura de cuerda clásica dentro de una propuesta pop. Y la batería marca el paso del recogimiento al clímax: empieza casi imperceptible y va creciendo hasta abrirse del todo en el coro final.

Las tres voces nos vamos turnando a lo largo de la canción — cada una toma un fragmento, como si fuéramos tres personas distintas contando la misma historia desde su propio asombro. Esa decisión vino de entender que la donación también es una cadena: un acto que pasa de cuerpo en cuerpo, de mano en mano, anónimamente. Hacia el final, cuando llega el clímax emocional, las voces dejan de turnarse y se vuelven un solo cuerpo coral. Ese momento es el corazón de la canción y, para nosotras, el corazón de lo que queríamos contar.

10. ¿Qué esperan generar en el público al abordar temas como la donación, la equidad de género, el duelo o las personas desaparecidas en su música?

Queremos abrir conversaciones. Esa es la palabra clave: conversaciones. Hay temas que en Latinoamérica todavía pasan por debajo de la mesa — la donación de órganos, el feminicidio, las desapariciones forzadas, el duelo no validado, las violencias cotidianas hacia las mujeres — y eso pasa, en parte, porque no encontramos las palabras para hablarlos. La música tiene algo que ningún folleto, ninguna estadística, ninguna campaña gubernamental tiene: la capacidad de hacer sentir, no solo entender. Cuando una canción te llega, te cambia algo por dentro — y de ahí salen las preguntas que después uno hace en la cocina, en el carro, en la sala de espera.

No pretendemos que nuestras canciones resuelvan problemas estructurales — sería ingenuo. Pero sí queremos que sean detonantes: que alguien escuche Ya'aburnee y piense en las mujeres que faltan; que alguien escuche Vivir en Ti y hable con su familia sobre donar; que alguien escuche La Julieta y se pregunte por qué seguimos contando historias de mujeres que mueren por amor. La música puede ser una manera de cuidar — y eso, en una región atravesada por tanta violencia, no es poco.

11. ¿Cuáles son los próximos proyectos de La Bandada y qué expectativas tienen frente a escenarios internacionales como BIME Live y MIM LATAM?

Después de Vivir en Ti viene una temporada activa de lanzamientos. Estamos trabajando en nuevos sencillos que profundizan la fusión entre el afrobeat y las cuerdas andinas, y que exploran nuevas conexiones entre la literatura y la música. También estamos preparando contenido audiovisual — sesiones en vivo, videos performativos — que acompañe cada lanzamiento, en colaboración con nuestra productora audiovisual.

En paralelo, estamos postulándonos a escenarios internacionales que nos parecen claves para esta etapa del proyecto. BIME Live Bilbao es para nosotras una puerta concreta al mercado español y europeo: un mercado profesional donde se construyen alianzas con programadores, sellos y agentes, y donde una banda como la nuestra — autogestionada, latinoamericana, con propuesta híbrida — puede encontrar interlocutores que entiendan lo que hacemos. Encuentro MIM LATAM, en Ciudad de Panamá, es para nosotras una articulación con la red iberoamericana de mujeres y disidencias en la música — un espacio donde el liderazgo femenino no es un eje secundario sino el centro de la conversación, y donde el lema de este año, Resonamos Desde Adentro, dialoga directamente con nuestro repertorio y con la manera en que entendemos el oficio.

No vamos a estos escenarios pensando solo en lo que podríamos traer de ellos. Vamos a ofrecer lo que ya tenemos: una propuesta sonora distinta, una puesta en escena cuidada, un equipo de trabajo profesional, y la convicción de que la música independiente latinoamericana hecha por mujeres tiene cosas importantes que decir al mundo. Si esos showcases se traducen en una minigira ibérica en 2027, en alianzas con sellos o managers que crean en nosotras, en programación en festivales europeos o latinoamericanos para 2027–2028 — todo eso será consecuencia, no causa. Lo que nos importa primero es seguir haciendo canciones que valgan la pena.

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Huella de Venado: amistad, calle y rock and roll en estado crudo

By    febrero 11, 2026 // No comments

Desde 2014, Huella de Venado funciona como un espacio de encuentro: entre amigos, entre géneros, entre la calle y la tarima. Nacido desde la experimentación, la amistad y la energía del rock and roll más visceral, el proyecto se ha convertido en un laboratorio sonoro donde conviven el blues, el punk, la salsa y el rock sin etiquetas ni fórmulas prefabricadas.

Con Estuario como EP debut, la banda deja clara su identidad desde el primer paso: un sonido crudo y honesto, letras que nacen de experiencias reales y una propuesta en vivo que privilegia la energía, la transformación y el disfrute colectivo. En esta entrevista, Huella de Venado habla sobre su origen callejero, la creación de personajes escénicos, el rock como desahogo y resistencia, y la necesidad de seguir apostándole a la música como acto de libertad y conexión humana.

1. Huella de Venado nace en 2014 como un proyecto de amistad y calle. ¿Qué sigue siendo hoy esencial de ese origen?

Sigue siendo esencial la amistad, la conexión humana entre nosotros y la experimentación constante a través de la música. Eso es la base de todo lo que hacemos.

2. El nombre de la banda viene de un mito ancestral ligado al renacer de la luz. ¿Cómo se traduce ese símbolo en su música y su actitud?

Ese símbolo se refleja en el carácter de las composiciones, en la puesta en escena y en la libertad interna que tiene cada uno al momento de crear. Siempre hay una búsqueda de luz, incluso desde lo crudo.

3. Definen el proyecto como un laboratorio, un desahogo y una terapia. ¿Qué necesidad personal o colectiva satisface la banda? 

La necesidad de hacer la música que nos nace, sin encasillarnos en géneros ni fórmulas, siendo libres para expresar lo que pensamos y sentimos, tanto a nivel personal como colectivo.

4. ¿Cómo fue construir una identidad sonora desde la calle, entre la salsa, el punk y el rock and roll?

Dejándonos llevar por lo que sentimos, sin preocuparnos por cumplir estructuras ni etiquetas. Simplemente creando desde lo que somos y lo que escuchamos.

5. ¿Personajes, escena y energía en vivo?

Drunky Punky, Spicy Black y Señor Jazz son los personajes que encarnamos en el escenario. Cada uno representa una parte del sonido y del show: lo salsero y callejero con Spicy Black, la elegancia y el estilo, con Señor Jazz, y la energía rápida y punkera con Drunky Punky.

6. En el escenario aparecen pseudónimos y personalidades. ¿Qué les permite esta transformación al tocar en vivo? 

Nos permite potenciar lo que cada uno aporta musicalmente desde su personalidad, sus influencias y su forma de tocar y moverse en escena. Eso termina de construir la esencia de Huella de Venado.

7. ¿Cómo dialogan estas personalidades con la energía visceral y callejera de sus shows? 

Los personajes encarnan directamente la música que tocamos. Le dan coherencia, fuerza y una energía muy natural al show.

8. ¿Qué buscan provocar en el público cuando Huella de Venado se sube a una tarima?

Queremos que la gente pase un muy buen rato. Que el concierto sea una fiesta, que bailen, se desconecten y se dejen llevar por la energía.

9. ¿Creen que el rock sigue siendo un espacio para desahogar rabia, goce y resistencia? 

Totalmente. El rock sigue siendo un canal para expresar inconformidad, placer y resistencia, sobre todo en contextos donde hace falta decir las cosas sin filtro.

10. Estuario es su EP debut. ¿Por qué era importante que este primer paso tuviera una identidad tan clara? 

Porque queríamos presentarnos tal como somos desde el inicio. Estuario define nuestro sonido, nuestra mezcla de géneros y nuestra postura artística.

11. Usan el estuario como metáfora del encuentro entre blues/jazz y rock/punk. ¿Cómo fue encontrar ese equilibrio? 

Fue algo muy orgánico. No forzamos la mezcla, simplemente dejamos que las influencias de cada integrante convivieran de manera natural dentro de las canciones y composiciones.

12. ¿Qué decisiones tomaron para mantener un sonido crudo y honesto, sin pulir de más la energía?

Respetar las tomas, las imperfecciones y la energía real de la banda. No queríamos perder la sensación de lo que es una banda de rock and roll al tocar en vivo.

13. ¿Qué aportó el trabajo con Juan Carlos Henao y Área 51 Estudios al resultado final del EP? 

Aportó mucha experiencia, criterio, muchas ideas buenas en la música y las voces y nos exigió musicalmente a cada uno mucho, lo cual fue genial, ya que nos hizo llegar nuestra real capacidad. También tuvo una escucha muy clara de lo que queríamos. Supo respetar nuestra esencia y potenciarla. 

14. Las canciones hablan de naturaleza, calle, violencia y convicciones personales. ¿Desde dónde nacen esas letras? 

Nacen de experiencias reales, de lo que vivimos en la ciudad, de lo que sentimos como individuos y como parte de una sociedad tan violenta y loca como la nuestra.

15. “Agua de manantial” aborda experiencias del estallido social de 2021. ¿Qué los motivó a llevar ese tema a la música? 

Fue una necesidad de expresar lo vivido y lo sentido en ese momento. La música fue la forma más honesta de canalizarlo.

16. ¿Cómo conviven en el EP lo introspectivo y lo político sin perder fuerza rockera? 

Porque ambas cosas hacen parte de nuestra realidad. No las separamos, las vivimos juntas y asimismo las expresamos en la música.

17. ¿Creen que el rock colombiano tiene hoy la responsabilidad de incomodar y cuestionar? 

Más que una responsabilidad, es una necesidad. El rock siempre ha sido un espacio para cuestionar lo que incomoda e invitar a tener una visión crítica frente al mundo y lo que se nos presenta.

18. Estuario recorre distintas emociones. ¿Lo pensaron como un viaje?

Sí, lo pensamos como un recorrido tanto musical como emocional, con subidas, bajadas, momentos de catarsis y de calma.

19. “Al fondo del mar” se perfila como un hit. ¿Qué creen que conecta tanto con el público? 

La sinceridad de la canción y la emoción que transmite. Es una historia con la que mucha gente se identifica y tiene un ritmo muy bailable.

20. “El Mozkito” tiene un tono crítico y frenético. ¿Qué lugar ocupan la ironía y el humor en su propuesta? 

La ironía y el humor son herramientas fuertes para los artistas para decir cosas fuertes sin perder la energía ni el disfrute. Y para dejar mensajes “entre líneas”, invitando a la reflexión en el oyente.

21. Si tuvieran que recomendar una canción del EP para entender Huella de Venado, ¿cuál sería y por qué? 

Agua de manantial, porque resume muy bien nuestra mezcla de sonido blues/punk, actitud y mensaje.

22. Sus influencias van de Nirvana y Charly García a la Fania All Stars. ¿Cómo logran que esa diversidad no suene dispersa? 

Porque todo pasa por nuestro filtro personal. No copiamos estilos; los reinterpretamos desde lo que somos y usamos a Huella de Venado como un laboratorio musical.

23. ¿Qué heredan del blues y qué del punk en términos de actitud?

Del blues heredamos la honestidad y la profundidad mezcladas con el ritmo y la crudeza; del punk, la rebeldía, la fuerza y la energía directa.

24. ¿Sienten que están dialogando con la historia del rock o intentando romper con ella? 

Un poco de ambas. Respetamos la historia, pero también buscamos nuestro propio camino. Se podría decir que lo que buscamos es dejar huella.

25. Están promocionando Estuario y preparando un Live Session. ¿Qué aporta el formato en vivo a su propuesta? 

En vivo es que una banda de verdad se conoce. Es cuando más es “relevante”: su show, propuesta, puesta en escena, todo. Además, tocar en vivo nos hace sentir bien y nos permite conectar directamente con personas que nos ven por primera vez. Esa conexión es fundamental.

26. ¿Qué expectativas tienen con el posible disco en vivo y el futuro álbum de larga duración? 

Sentirnos bien con lo que hacemos, dejar plasmado todo el trabajo musical al que le dedicamos mucho amor y energía, y llegar a más personas que conecten con nuestra música.

27. ¿Cómo imaginan el crecimiento de Huella de Venado dentro y fuera de Colombia? 

Como una banda consolidada, tocando en grandes festivales y tarimas en distintos lugares del mundo. 

28. ¿Qué significa para ustedes “dejar huella” en la escena del rock colombiano? 

Proponer un sonido honesto y diferente y que la gente se lleve una sensación real después de escucharnos y nos recuerde.

29. ¿Por qué creen que hoy es importante seguir apostándole al rock and roll como estilo de vida? 

Porque el rock and roll representa libertad, y ese espíritu libre es el que usamos para crear música.

30. ¿Qué le dirían a alguien que nunca ha escuchado a Huella de Venado para invitarlo a sumergirse en su música? 

Si te gustan el rock and roll, el blues y el punk, bailar, disfrutar de la música y pasar un buen rato, es muy probable que conectes con Huella de Venado.

31. Si Estuario fuera una experiencia física, ¿cómo se sentiría en el cuerpo?

Como el sonido y la vibración que se produce cuando se encuentran el agua dulce del río y agua salada del mar.

Left & Right: cuando la dualidad se convierte en arte y la música en sanación

By    noviembre 17, 2025 // No comments

La historia de Left & Right, el dúo conformado por las hermanas Linda y Karol, es una fusión de emoción, razón y propósito. Nacidas en una familia musical en Cundinamarca, estas artistas han transformado su vínculo fraternal en un proyecto que equilibra la sensibilidad del R&B, la energía del electro pop y la profundidad del soul. Su música es una invitación a sanar, conectar y resistir, como reflejan en su más reciente lanzamiento, “Different Worlds”, una pieza que entrelaza vulnerabilidad y esperanza.

En esta entrevista, Left & Right nos cuentan cómo la dualidad entre la calma y el caos, el arte y la vida, la emoción y la técnica, ha dado forma a su sonido y a su visión de mundo.

1. ¿Cómo nació el proyecto Left & Right y en qué momento decidieron que querían dedicarse profesionalmente a la música?

Left & Right nació como una forma de sanar. Tras años escribiendo y componiendo por separado, decidimos unir nuestras voces y crear algo real y conectar con quienes creen tener un propósito en sus vidas. Venimos de una familia musical y cantamos desde que teníamos 6 años, sin embargo, justo a finales del 2019 inspiradas en la industria musical del Anglo-Pop y con el sueño de llenar el Madison Square Garden dijimos que como hermanas nos dedicaríamos a la música profesionalmente.

2. El nombre “Left & Right” tiene una carga simbólica muy fuerte. ¿Qué representa para ustedes esa dualidad y cómo la viven en su día a día como artistas y hermanas?

“Left & Right” representa los hemisferios del cerebro y nuestros polos opuestos: la razón y la emoción, el caos y la calma. Como hermanas vivimos esa dualidad cada día, pero en lugar de luchar contra ella, la convertimos en arte. Cada una tiene cualidades diferentes pero complementarias que nos hacen un todo. Además de vocalistas e instrumentistas, Linda es Productora Musical y representa el lado creativo, Karol es compositora y es quien representa el lado teórico/práctico del grupo.

3. ¿Cómo describirían el sonido de Left & Right a alguien que nunca las ha escuchado antes?

Nuestro sonido es un viaje entre el movimiento y lo emocional. Una mezcla de electro pop, R&B, soul y energía pura en escenarios. Es música que te hace sentir, moverte y pensar al mismo tiempo; como mirar tus propias emociones con una luz diferente.

4. Vienen de Cundinamarca, un lugar con una identidad cultural particular. ¿De qué manera su entorno ha influido en su estilo y su visión artística?

Cundinamarca nos enseñó el valor de la raíz, la conexión y la introspección. Crecer entre montañas nos dio una sensibilidad especial: nuestras canciones buscan esa calma del paisaje, pero con la fuerza de quienes sueñan más allá de los límites. En Cundinamarca los géneros son bastante alternativos y Bogotá es la cuna del Pop Colombiano, pero hemos viajado bastante y otros lugares de Colombia como el Caribe, Antioquia, Ibagué y el Valle nos han recibido y marcado en el ámbito musical como si hiciéramos parte de cada uno de los lugares a los que visitamos!

5. Ser hermanas y trabajar juntas en un proyecto creativo no debe ser fácil. ¿Cómo logran equilibrar la relación familiar con la profesional?

Ser hermanas es un reto y un regalo. Es también parte de nuestra naturaleza ya que nuestros padres son músicos y han trabajado juntos por más de 25 años! Aprendimos a separar los roles: en el estudio somos artistas; en casa, familia y siempre aprovechamos al máximo nuestras diferencias y similitudes. Ese equilibrio es la clave para que Left & Right funcione con autenticidad.

6. Tienen talentos muy distintos —Linda con su enfoque más de rap, guitarra y producción; y Karol con la voz, piano y composición— ¿cómo se complementan en el proceso creativo?

Nos complementamos de forma sorprendentemente natural. Linda aporta el ritmo, la producción y el instinto musical que se le da muy bien; Karol construye las melodías, la emoción y la narrativa, como si todo fuese parte de una gran historia. Juntas creamos un puente entre lo técnico y lo emocional: es como si fuésemos un cerebro en el que cada hemisferio tiene sus talentos y se funde en un todo para crear algo magnífico

7. ¿Alguna vez han tenido visiones musicales opuestas? ¿Cómo resuelven las diferencias artísticas? 

Claro, hemos tenido visiones opuestas, en nuestra vida personal, a Linda le gusta mucho el Rock, y la Electropop, y Karol el pop estadounidense y el R&B. Eso sí, juntas amamos los géneros colombianos y en especial el vallenato y la salsa. Pese a tener gustos levemente diferentes juntas tenemos la misma visión, queríamos el Pop al 100% pero encontrar nuestro sonido sí llevó su tiempo y dificultad, la manera en que lo manejamos y lo logramos es sentándonos en el estudio, escuchando y escucharnos, y confiar en el oído musical de ambas, si suena con historia e intención, ahí es.

8. Left & Right combina géneros como el electro pop, R&B, soul y synth. ¿Cómo llegan a esa mezcla? ¿Hay un “sonido firma” que estén construyendo?

La mezcla nace del instinto. Amamos el R&B por su alma, el pop por su poder y la electrónica por su libertad. Estamos construyendo un sonido propio: enérgico, envolvente y honesto. Una firma sonora donde cada tema cuenta una historia emocional distinta y a la vez llevamos nuestro propio mensaje también en las líricas, hablando del crecimiento personal, emociones, salud mental y disfrutar la vida.

9. ¿Qué artistas o influencias han marcado más su evolución sonora? (Mencionan a The Weeknd, Lady Gaga, Coldplay, etc.)

The Weeknd, Lady Gaga y Coldplay nos marcaron por su capacidad de crear mundos visuales y emocionales. Admiramos cómo mezclan vulnerabilidad con poder escénico; eso nos inspira a ser valientes y a no tener miedo de sonar diferentes, a su vez lo poderoso de su mensaje y sus voces, que guían y con una canción le pueden cambiar la vida a millones de personas, algo que de manera similar hemos visto en artistas como Imagine Dragons y Sia a quienes también admiramos un montón.

10. ¿Cómo sienten que ha cambiado su música desde sus primeras producciones en 2022 hasta hoy?

Ha sido un cambio total desde nuestro EP debut en 2022. Nuestra música maduró con nosotras. Desde el sonido, la técnica hasta la práctica y la experiencia de trabajar en un estudio. Al navegar este mundo de la producción y grabación solas tuvimos varios obstáculos y cometimos muchos errores, pero hoy es diferente, construimos eficiencia y estrategia de manera que grabar sea más profesional y suene con más experiencia. Musicalmente pasamos de experimentar sonidos a construir un lenguaje emocional propio. “Different Worlds” refleja ese punto de quiebre: más profundidad, más identidad.

11. “Different Worlds” tiene un mensaje muy poderoso sobre la resiliencia y la conexión entre mundos distintos. ¿Cómo nació la idea de esta canción?

“Different Worlds” nació de una conversación entre dos almas que luchan por seguir juntas pese a todo. Es una historia que se puede interpretar desde el proceso de crecimiento personal, donde hay un pensamiento de estar perdido y lejano al objetivo; es un mensaje de esperanza y no rendirse y una guía para quienes están persiguiendo un sueño o quieren hacer un cambio en sus vidas. Es un reflejo de lo que vivimos: resistir, avanzar y creer, incluso cuando todo se siente imposible.

12. Linda, mencionas que la letra es una conversación con tu sueño de infancia. ¿Podrías contarnos más de ese diálogo interno?

Esa letra está inspirada en nuestras historias, las dos compartimos el sueño de la música, pero en nuestra adolescencia nacieron los estigmas y prejuicios sobre eso, nos rodeamos de un ambiente que veía la música como algo irreal y lejano. En la canción le hablo desde el presente, construyendo ese camino y luchando por algo mucho más grande, para decirle que no se rinda, que los sueños sí se cumplen si sigues creyendo, incluso cuando la meta parece estar en otro mundo,

13. Durante la producción vivieron la experiencia con Moona, la perrita que inspiró parte del mensaje. ¿Cómo impactó el proceso creativo y emocional de la canción?

Moona apareció llorando justo frente a nuestra casa a las 2 am, ahí estábamos en un momento donde la música ya estaba terminada, pero no estábamos convencidas de la intención de la letra en las sesiones de voces. La rescatamos y junto a una gran fundación la sanamos y le conseguimos un hogar, y días después aún ayudábamos en gestión mientras trabajábamos en la canción. Su historia nos conmovió y se volvió símbolo de resiliencia, le aportó un gran sentido y nos hizo vivir con ella en carne propia el sentimiento de sentirse perdido, pero traspasar mundos para salvarse. Ella fue el toque secreto que el destino le aportó a esta producción.

14. Musicalmente, esta canción explora un terreno más digital, con influencias del EDM de 2016. ¿Qué buscaban transmitir con ese sonido más expansivo y electrónico?

Queríamos capturar esa sensación expansiva de libertad. El sonido EDM de 2016 tiene algo de nostalgia y esperanza, somos las niñas que amaban a David Guetta, Avicii, Martin Garrix. Buscábamos esa misma energía que hiciera sentir que todo dolor puede transformarse en luz.

15. ¿Qué significa para ustedes “Ride it out”? ¿Cómo se relaciona con el mensaje general del proyecto? 

“Ride it out” significa seguir, aunque duela, luchar en la dificultad y resistir aunque lo que venga no sea muy bonito. Es el mensaje central de Left & Right: no se trata de huir del dolor, sino de transformarlo en algo hermoso, en arte, en movimiento.

16. El video de “Different Worlds” es animado y tiene un tono nostálgico. ¿Por qué decidieron expresarlo de esa forma?

La animación nos permitió representar el estilo surrealista y conceptual. Queríamos que el video tuviese una historia y una idea clara, pero a la vez de una manera metafórica y artística. Fue la forma más honesta de contar esa historia y a su vez cumplimos un gran deseo, es el primer video animado que tenemos y siempre quisimos un video de ese estilo.

17. ¿Cómo fue el proceso de creación visual y qué quisieron reflejar con la historia animada?

Fue un gran proceso desde el inicio a fin y de bastantes cambios, inicialmente solo tendría un personaje que sería una figura femenina, caminante, solitaria y perdida. Luego tras nuestro encuentro con Moona agregamos este personaje como simbolismo de una guía que une sus mundos al compartir una historia similar y pasar por emociones que las conectan por la empatía. Queríamos mostrar cómo incluso en mundos distintos, el amor y la esperanza encuentran un punto de encuentro.

18. Moona también aparece como símbolo visual. ¿Qué representa para ustedes dentro del universo de Left & Right?

Moona representa la lealtad, la firmeza y el alma. Representa el mundo donde a pesar de la adversidad su caminar se mantiene segura y con esperanza, la silueta de mujer por otro lado, es el primer mundo que no conecta con sí misma ni cree tener un potencial, solo divaga en busca de encontrar algo. Es el encuentro con Moona lo que da significado a lo que ella buscaba, el poder y la decisión de salvarla iban a cambiar no solo la historia de Moona sino la suya. De hecho, muchos familiares y nuestra comunidad pensaron que la silueta era de nuestro perrito Toby, él es muy famoso y querido por nuestra audiencia, e incluso lo compararon con sus propias mascotas. Y es justo eso lo que también queríamos representar, existen hilos con seres que nos guían y nos impulsan a mover mundos por el amor que les tenemos, y tener una audiencia que tiene mascotas y entienda eso es emocionante y gratificante a la vez.

19. Ustedes dicen que buscan inspirar, empoderar y dejar huella. ¿Qué esperan que las personas sientan al escuchar su música?

Queremos que la gente se sienta acompañada. Que escuchen una canción y digan “eso me pasa a mí, justo me llegó esta canción en ese consejo o palabras que necesitaba escuchar”. A veces nos hundimos con nuestros propios pensamientos, y queremos estar allí para escucharlos, entenderlos y recordarles su valor. Si nuestra música logra tocar una sola vida, estamos logrando nuestro propósito.

20. En tiempos donde la industria musical está tan saturada, ¿cómo mantienen la autenticidad y la conexión emocional en sus canciones?

Es complejo si, ha sido un trabajo de autoconocimiento no solo como artistas sino como personas, siempre mantenemos la frase “Todo el mundo intenta ser tan diferente que ya no se sabe a que son diferentes” La autenticidad nace de vivir lo que cantamos. La máxima fórmula que seguimos son las emociones, porque todos conectamos en este mundo por medio de los sentimientos, es algo que no se puede saturar ni falsificar; las emociones son auténticas y eternas.

21. ¿Qué papel juega la vulnerabilidad en su proceso artístico?

Ha sido un proceso difícil, no es sencillo abrirse al mundo mostrándose frágil y sin filtros, pero la vulnerabilidad juega un papel elemental e irremplazable. Nuestras canciones nacen del miedo, la duda, el dolor contándoles cómo nosotras hemos transformado eso en valentía, poder y esperanza; convertirlo en música es nuestra forma de sanar y de inspirar.

22. ¿Qué viene después de “Different Worlds”? ¿Están trabajando en un EP o álbum completo?

Será una experiencia audiovisual donde la emoción y la estética se funden. Estamos trabajando en mucha música para 2026. No solo en el ámbito de producción musical sino de circulación, aprendizaje y conocerlos cada vez más a cada uno de ustedes que nos escuchan. Queremos llegar con un nuevo universo que será increíble y un concepto que sin duda les gustará. Tal vez sea un cierre para Algorhythm, tal vez no. Sin duda, será una experiencia audiovisual donde la emoción y la estética se funden.

23.¿Con qué artistas les gustaría colaborar en el futuro?

Son incontables la cantidad de artistas con los que nos gustaría colaborar, lo que más nos gusta de la música es que no solo la creamos sino también somos fans de muchos increíbles talentos que sin duda soñamos en conocer y colaborar, también estamos abiertas a recibir a quienes quieran colaborar con nosotras. Si tuviéramos que mencionar a uno, sin pensarlo, nuestro mayor sueño es colaborar con Imagine Dragons. 

24. ¿Dónde se ven en cinco años como proyecto y como hermanas creadoras?

En cinco años nos vemos girando internacionalmente, con varios álbumes sólidos y una comunidad global que conecte con nuestro mensaje. Como hermanas, queremos seguir creciendo sin perder la raíz: dos almas opuestas que encontraron equilibrio en la música. Queremos estar en la cima manteniendo y defendiendo con seguridad nuestro mensaje y a quienes lo han recibido en sus vidas.

Insomnica: del corazón de Boyacá al pop rock alternativo colombiano

By    octubre 02, 2025 // No comments

Desde Tunja, Boyacá, Insomnica se ha abierto paso en la escena musical colombiana con una propuesta de pop rock alternativo cargada de honestidad, emociones intensas y una búsqueda constante por conectar con su público. Nacida en 2020, la banda ha recorrido escenarios locales y nacionales, consolidándose como un proyecto que mezcla la fuerza del rock con atmósferas electrónicas y detalles de la identidad colombiana. En esta entrevista, la agrupación nos habla sobre su nuevo sencillo “Muriendo por vos”, el proceso creativo detrás de su segundo disco y el papel fundamental que juega la catarsis emocional en cada una de sus canciones.

1. Insomnica nació en 2020 en Tunja, ¿cómo ha sido el proceso de consolidarse como una de las bandas representativas de Boyacá en tan poco tiempo?

Ha sido un camino de mucha disciplina, constancia y sobre todo de amor por lo que hacemos. Cuando empezamos en 2020, teníamos un sueño claro y la convicción de que nuestra música podía conectar con la gente. Poco a poco, fuimos construyendo una propuesta sólida, tocando en escenarios locales, departamentales y algunas ciudades de Colombia como Pereira, Bucaramanga, Santa Marta, Barranquilla, Chía y Bogotá, gestionando nuestros propios espacios y manteniendo siempre el objetivo muy presente: mantener la coherencia entre lo que sentimos y lo que transmitimos.

Lo que más nos ha ayudado a consolidarnos es la persistencia, no nos hemos detenido frente a las dificultades; por el contrario, hemos hecho todo lo que está a nuestro alcance para seguir creando y manteniendo la esencia de la banda. Boyacá tiene una escena musical en crecimiento, con mucho talento, y nos sentimos orgullosos de aportar desde el pop rock alternativo con una propuesta honesta, que refleja emociones humanas reales.

En poco tiempo, hemos logrado posicionarnos porque siempre estamos trabajando en todos los aspectos: la música, las composiciones, plataformas digitales, grabaciones de nuevos sencillos, puesta en escena, manejo de redes sociales, gestión de recursos y todo lo que hay en torno a ser artista. Adicionalmente, sentimos que el público ha recibido nuestra música de una forma positiva, y esa conexión es lo que realmente nos motiva a seguir haciendo música y a llevar nuestras canciones a nuevas ciudades y públicos.

2. ¿De qué manera cada integrante aporta a la identidad sonora de la banda? Cada uno de nosotros tiene su propio universo musical y eso es lo que hace que Insomnica tenga una identidad y un sonido particular.

Lamena, en la voz y el bajo, aporta la fuerza interpretativa y la carga emocional de las letras; su voz transmite vulnerabilidad y potencia, mientras que el bajo le da solidez y fuerza al sonido. Betty, en los teclados, es quien aporta la atmósfera y la profundidad en cada concierto; sus arreglos de sintetizadores y pianos les dan a las canciones ese aire melancólico y a la vez moderno. Favarez en la voz y en la guitarra, suma la calidez y el contraste de la banda; su voz se caracteriza por imprimir diferentes matices y su guitarra crea sensaciones entre lo acústico y lo alternativo. Juancho, en la guitarra líder, con sus riffs melódicos y solos, le da intensidad a la banda, creando momentos de introspección y catarsis dentro de las canciones. Walter, en la batería, sostiene la columna vertebral rítmica, combinando la fuerza del rock con toques colombianos como el bambuco, generando un pulso único y diferente.

3. Sus letras hablan de dualidades humanas como amor y dolor, depresión y ganas de vivir, ¿cómo traducen esas emociones en su música?

Lo que hacemos es reflejar esas dualidades durante el desarrollo de nuestras canciones, de acuerdo a la intención que se quiera transmitir; por ejemplo, si la letra habla de nostalgia, buscamos que los teclados y las atmósferas refuercen esa melancolía; si la letra expresa amor o pasión, entonces el papel lo tienen las guitarras más intensas; cuando cantamos sobre el dolor, no es solo la voz la que lo transmite, sino también los silencios, los acordes menores, las atmósferas de unos teclados envolventes, y así con cada canción. Nuestra idea es que la música y el sentimiento que se expresa en cada canción se conecten entre sí, de manera que el oyente no solo escuche una historia, sino que la viva emocionalmente.

4. “Muriendo por vos” explora el recuerdo de un amor inconcluso. ¿Qué los inspiró a crear esta canción y qué esperan que sienta el oyente al escucharla?

La inspiración nació de esa experiencia que seguro todos hemos tenido al menos una vez en la vida, y es el hecho de no poder soltar a alguien, de quedar atrapado en un ciclo de recuerdos que parecen no terminar, de silencios que no sanan y heridas que parecen seguir latentes, de esa contradicción entre querer olvidar y seguir sintiendo; así que quisimos plasmarla a través de MURIENDO POR VOS.

Lo que esperamos es que, al oír “Muriendo por vos”, el público sienta que no está solo mientras vive ese dolor, que la canción es su compañía en la soledad, su refugio en las noches de desvelo y un impulso para transformar esas emociones en una gran fuerza que ayude a soltar por completo lo que no funciona, y seguir viviendo.

5. La canción mezcla pop rock alternativo con tintes electrónicos y hasta elementos rítmicos del bambuco. ¿Cómo surgió esa fusión sonora?

La fusión surgió de manera muy natural, porque en Insomnica nos gusta explorar; siempre partimos del rock en español, que es nuestra columna vertebral, pero nos atrae mucho la idea de mezclarlo con otros colores que le den identidad propia a cada canción.

En “Muriendo por vos”, los sintetizadores con un par de texturas electrónicas y la voz desgarradora, nos permitieron transmitir esa atmósfera de decepción, desahogo e incluso rabia, donde al mismo tiempo, las guitarras y la batería le imprimieron la fuerza del rock, generando la catarsis que buscábamos. El detalle del bambuco en la percusión nació de la experimentación del baterista; quisimos incorporar un tinte de nuestras raíces colombianas, pero de una manera sutil, como un latido que le da un pulso diferente a la canción.

6. La portada tiene un concepto muy simbólico con el dominó y el número 7, ¿qué historia hay detrás de esa metáfora visual?

La portada cuenta la historia de la canción; es un reflejo visual de lo que queremos transmitir. El dominó representa el destino y los efectos en cadena: una sola ficha puede desencadenar un movimiento que lo cambia todo, tal como pasa con una relación o con una herida emocional, que puede transformar la vida de una persona en un segundo.

El número 7 no es casual, es la posición que ocupa la canción dentro de este segundo álbum, sin dejar de ser un número cargado de simbolismo, representa ciclos, búsqueda, transformación emocional; y nosotros sentimos que “Muriendo por vos: es justamente eso, un punto de quiebre emocional donde el dolor es tan fuerte, que puede llegar a transformarse en algo nuevo.

Además, las manos que aparecen en la portada evocan a alguien marcado por las heridas, pero que aún guarda la posibilidad de renacer. Es como si dijera: “sí, el dolor existe, pero también existe la fuerza para seguir adelante”. Queremos que la gente, al ver la portada, se identifique y entienda que, aunque el vacío y las heridas sean muy fuertes, siempre hay una salida al dolor.

7. ¿Qué papel juega la catarsis emocional en sus composiciones y en la conexión con su público?

La catarsis es el corazón de nuestra música. Cada canción nace de emociones intensas como el dolor, la nostalgia, el amor, y son esas emociones las que se convierten en sonidos para liberar lo que sentimos. Es un proceso muy personal, pero también colectivo: cuando llevamos esas emociones al escenario o a una grabación, no solo nos liberamos nosotros, sino que abrimos un espacio para que el público también lo haga. Creemos que la conexión más fuerte con la gente ocurre en ese momento en el que alguien escucha una canción de nosotros y siente que describe a la perfección lo que alguna vez vivió o vive en el momento, que las palabras y los acordes lo acompañan en su propio proceso.

Para Insomnica, la catarsis no es un efecto secundario, es la intención misma: “buscamos que cada canción permita llorar, gritar, recordar, sanar... pero, sobre todo, seguir adelante”.

8. ¿Cómo perciben la escena del pop rock alternativo en Colombia y qué lugar creen que ocupa Insomnica dentro de ella?

La escena del pop rock alternativo en Colombia es diversa y está en constante evolución. Justo ahora, hay una generación de artistas que está buscando nuevas formas de expresarse, fusionando sonidos y experimentando con géneros que van desde lo electrónico hasta lo folclórico, sin miedo a arriesgarse. Eso hace que la escena musical sea muy diversa y a la vez competitiva.

En medio de todo ello, sentimos que Insomnica ocupa un lugar especial porque nuestra propuesta parte de la honestidad emocional y de un sonido que combina raíces clásicas del rock en español con influencias modernas; buscamos aportar un lenguaje propio que tenga identidad y a la vez conecte con lo universal. Creemos que nuestro valor está en ser una banda que no solo hace música para entretener, sino para acompañar emocionalmente, y esa visión nos permite diferenciarnos y aportar un matiz distinto dentro del pop rock alternativo colombiano. Nuestro objetivo es seguir creciendo y demostrar que desde regiones como Boyacá también se pueden construir propuestas con impacto nacional e internacional

9. Este es el primer sencillo de su segundo disco, que narrará una historia completa en ocho canciones. ¿Qué pueden adelantarnos sobre ese relato y los sonidos que vendrán?

Lo que podemos contar es que este segundo disco será un viaje emocional contado en ocho capítulos. Cada canción representa una etapa de un proceso interior que narra desde la herida y el vacío que deja una ruptura, hasta la búsqueda de la reconstrucción y el renacer; es casi como una película sonora en la que el oyente transita por distintos estados emocionales que forman parte de la vida.

“Muriendo por vos” abre el camino desde la herida y el recuerdo, pero después llegarán canciones que exploran la conquista, la ilusión del amor, la nostalgia, la resiliencia y la necesidad de volver a creer. Queremos que, al momento de escuchar el álbum completo, el público sienta que está viviendo una historia en la que también puede encontrarse.

En cuanto a los sonidos, seguiremos trabajando en el pop rock alternativo con atmósferas electrónicas, pero cada tema tendrá un color distinto: habrá tintes de blues, funk, baladas con fuerza rockera e incluso pinceladas de ritmos colombianos. La idea es que cada canción sorprenda, pero que todas juntas conformen un relato coherente. Este segundo álbum será un viaje emocional de la oscuridad a la luz, un recorrido que esperamos se convierta en compañía para quienes lo escuchen.

10. Insomnica habla de acompañar emocionalmente a sus seguidores. ¿Cuál ha sido el momento más especial o conmovedor que han vivido con su público?

Hemos tenido varios momentos especiales con nuestro público; sin embargo uno que siempre recordamos fue después de un concierto en Bogotá, cuando una chica se nos acercó entre lágrimas y nos dijo que nuestra canción que se llama “Inesperado”, le había recordado a un ser querido que había partido de este plano terrenal y que nuestra música le había dado fuerzas para seguir adelante.; literalmente nos derrumbó escuchar su historia, se nos entrecortó la voz y no supimos qué decir, solo pudimos darle un abrazo y agradecerle por querer rendirle homenaje a esa personita especial, a través de nuestra música.

Ese tipo de experiencias nos recuerdan por qué hacemos esto. No se trata solo de tocar en un escenario o de cuántas reproducciones tenemos en plataformas, sino de la huella que podemos dejar en la vida de cada persona que nos escucha. Cuando vemos que nuestras letras y sonidos logran acompañar en la soledad, aliviar una herida o dar un poco de esperanza, sentimos que nuestra misión como banda se cumple y toma sentido.

11. Tienen influencias de artistas como Soda Stereo, Radiohead, Zoé o Aterciopelados, ¿qué han tomado de ellos y cómo logran mantener su sello propio?

Cada una de esas bandas nos ha inspirado en distintos momentos y aspectos. De Soda Stereo y especialmente de Gustavo Cerati, hemos aprendido la importancia de la poética en las letras y de crear atmósferas que trascienden el tiempo. De Radiohead admiramos la capacidad de experimentar con sonidos electrónicos y texturas sin perder la esencia rockera. De Zoé tomamos ese equilibrio entre lo íntimo y lo etéreo; y de Aterciopelados, el valor de conectar con la identidad latinoamericana y no tener miedo de sonar diferente.

Sin embargo, lo que hacemos en Insomnica no es imitar, sino inspirarnos en elementos específicos de esas influencias para transformarlas y plasmarlas en nuestras canciones, pues nuestro sonido propio nace de experiencias personales y colectivas convertidas en letras, ritmos y melodías que se mueven entre lo acústico y lo electrónico, de manera que cada canción acompañe emocionalmente al oyente.

12. En un panorama musical donde muchas propuestas tienden a sonar parecidas, ¿qué creen que hace diferente a Insomnica?

Creemos que lo que nos diferencia es la honestidad con la que construimos nuestras canciones. No pensamos en modas o fórmulas, sino en cómo transformar emociones reales en música, y eso nos lleva a un sonido que mezcla la fuerza del rock con atmósferas sutiles y electrónicas, junto con detalles de otros géneros, pero siempre con un propósito emocional.

Otro aspecto que nos hace distintos es nuestra intención de acompañar a la gente, pues no solo queremos que nuestras canciones se escuchen en una playlist, queremos que se conviertan en esa compañía durante momentos de dolor, de nostalgia, de alegría o de emoción.

Finalmente, venimos de Boyacá, un lugar que muchas veces no se asocia directamente con el pop rock alternativo. Haber nacido y crecido en esa escena nos da una perspectiva distinta y nos impulsa a demostrar que desde nuestra región también se puede construir un proyecto sólido, fresco y con identidad propia. Esa combinación de raíz, autenticidad y búsqueda sonora es lo que hace que Insomnica tenga un sello diferente.

13. ¿Qué sueños tienen a corto y mediano plazo con este nuevo disco y hacia dónde quieren llevar su música?

A corto plazo, nuestro sueño es que este segundo disco logre conectar de manera profunda con la gente, que cada canción encuentre un lugar en la vida de quienes nos escuchan y que podamos llevarlo en vivo a más escenarios del país. Queremos seguir creciendo en ciudades donde ya hemos estado, como Bogotá, Bucaramanga o Pereira, pero también llegar a nuevas audiencias que todavía no nos conocen. A mediano plazo, aspiramos a consolidarnos dentro del circuito nacional de pop rock alternativo y empezar a abrir caminos en Latinoamérica. Sentimos que nuestra propuesta musical tiene un lenguaje universal, pero con un sello propio que puede resonar fuera de Colombia, además, nos emociona la idea de compartir escenario con bandas nacionales e internacionales y de que nuestra música pueda acompañar a personas en distintos lugares del mundo, y que nuestra música siga siendo ese puente emocional que hemos construido desde el inicio.

Vehementes: pasión, raíces latinas y emociones a flor de piel

By    septiembre 20, 2025 // No comments

Nacida oficialmente en 2025, Vehementes es el proyecto que llega después de años de gestación, donde la música se convierte en un reflejo de la pasión, la amistad y la vida cotidiana. Mezclando pop, rock, cumbia, bossa y salsa, la banda busca crear un sonido honesto y emotivo que conecte con las experiencias humanas más profundas. En esta entrevista, hablamos sobre sus influencias, el nacimiento de su primer sencillo Narcótica, y cómo transforman emociones en arte, todo mientras mantienen la libertad de una banda independiente.

1. Vehementes nació en 2025, pero el proyecto viene gestándose desde 2013. ¿Qué pasó en ese tiempo y qué los llevó a retomar el camino musical ahora?

Siempre he estado vinculado de alguna forma a la música y a pesar de que elija otro camino, el mismo destino me trae de vuelta, todo ese tiempo de ausencia estuve trabajando en mi otra carrera que es la publicidad y hoy en día decidí retomar porque considero que es el momento justo para hacerlo y también por la nostalgia que generaba en mí ver todo lo que antes viví con la música, quería esto de nuevo.

2. El nombre Vehementes tiene mucha fuerza. ¿Cómo llegaron a él y qué significa para ustedes en este momento de la banda?

Vehementes es un nombre con mucho significado, hace muchísimos años en algún recital de poesía escuché la la palabra vehemencia y me generó demasiada curiosidad, tanto que tuve que llegar a investigar de qué se trataba, y en ese momento entendí que así se debía llamar este proyecto, pues habla de la pasión y de la entrega total, en este caso, por la música.

3. ¿Cómo se dio la conformación actual del grupo? ¿Qué aporta cada integrante a la identidad de Vehementes?

Se dio hablando entre amigos, no los conocía a todos en su momento, pero conocía su talento y les planteé la idea de acompañarme en el proyecto y les llamó mucho la atención, además de que ya con el tiempo se nos hemos convertido en buenos amigos. Cada uno aporta bastante al proyecto, siempre he sido creyente de que la suma de los talentos permite lograr grandes cosas y seguro que así será.

4. Su propuesta es muy amplia: pop, rock, cumbia, bossa, salsa… ¿Cómo logran mezclar tantos géneros sin perder su esencia?

Diría que al final es lo que nos representa porque a pesar de hacer diferentes exploraciones y fusiones de géneros, en todos hay algo claro y es nuestra raíz, ese sabor latino que todos llevamos dentro, creería que ese es el punto donde converge toda nuestra música.

5. Mencionan influencias como Drexler, Tan Biónica, Miranda o Natalia Lafourcade. ¿Qué aprendieron de ellos que quisieron llevar a su propio sonido?

De cada uno aprendimos cosas distintas que terminamos alimentando nuestro sonido. De Drexler, por ejemplo, la sensibilidad en las letras y la forma de narrar emociones cotidianas con poesía. De Tan Biónica y Miranda nos inspiró la frescura para hacer pop sin miedo a lo bailable, sin complejos de mezclar lo popular con lo alternativo. Y de Natalia Lafourcade, la capacidad de volver íntima cualquier canción, de conectar desde la raíz emocional.

6. ¿Cómo definirían el “sonido Vehementes” en pocas palabras para alguien que lo escuche por primera vez?

El sonido Vehementes podría definirse como una mezcla entre el pop alternativo y la fuerza del rock, con toques de nuestra raíz con el latín y además de otros géneros que nos gusta explorar. Es música honesta, que busca transmitir vulnerabilidad y, al mismo tiempo, invitar a moverse y conectar.

7. ¿Cuál fue el momento o la chispa que dio origen a “Narcótica”?

⁠Narcótica nace de algo que le pasó a un amigo, un momento de emociones muy fuertes después de una ruptura y la canción fue una manera de decirle que estaba con él, que lo entendía y lo invitaba a desahogarse.

8. La canción nació de la ruptura de un amigo cercano. ¿Cómo fue ese proceso de transformar el dolor de otro en arte?

Esa emoción la sentí también en algún momento, pero además cuando uno es muy cercano también sufre la “tusa” como propia y esa rabia (guardadas las proporciones).

9. El tema mezcla elementos de electro pop, son cubano y trompeta. ¿Cómo fue el proceso de producción y búsqueda de sonidos?

Fue un proceso bastante exploratorio, incluso en algún momento quisimos que tuviera algo de salsa, y la canción prácticamente la grabamos 2 veces buscando ese sonido, a medida que avanzamos era como una conversación con ella, nos iba pidiendo ciertos detalles, ciertos instrumentos y el resultado nos encantó.

10. Si tuvieran que describir “Narcótica” como una sensación física, ¿qué sería: un mareo, un shot de licor, un abrazo roto?

Narcótica es un shot que luego de que te lo tomas, se rompe.

11. La portada muestra una cabaña sola. ¿Qué significa visualmente esa imagen en relación con la canción?

La cabaña representa ese momento de soledad, de alejarse de todo, pero donde hay mucho caos y dolor, por ello, las nubes negras.

12. “Narcótica” hará parte de un disco que lanzarán en 2026. ¿Qué pueden adelantarnos de ese álbum?

De momento no puedo adelantar mucho, solo que vamos a seguir experimentando con diferentes sonidos e instrumentos, pero siempre con ese interconector que es lo latino, nuestra raíz, lo que nos representa.

13. La siguiente canción será “Precisa”, una especie de precuela. ¿Cómo están construyendo ese relato musical de las diferentes etapas del amor?

Precisa es el momento de idealización de la persona, donde se le ve 100% desde el enamoramiento, sin embargo, también es una canción que se canta desde la desesperación, allí también buscamos experimentar sonidos latinos mucho más presentes, demasiada percusión menor y una sensación como de una canción de otra época.

14. ¿Qué esperan que las personas sientan cuando escuchen el álbum completo?

Que vivan un viaje por todas las emociones que tratamos de representar musicalmente alrededor del amor y sus derivados; que se identifiquen, que las griten si hay que hacerlo, que las dediquen si así lo quieren, pero lo más importante, que las disfruten y sumen a sus vidas.

15. Dicen que su música busca ser un espejo para las emociones humanas. ¿Qué tanto creen que hoy la gente necesita esa catarsis emocional en la música?

A pesar de estar en un mundo donde la inmediatez prima y todas las personas nos mostramos hacia los demás con una coraza, siempre hay algo adentro, algo de sensibilidad y emoción, nadie se puede negar a eso y puede que alguna de nuestras canciones rompa un poco esa fortificación y los haga sentir algo.

16. ¿Cómo es ser una banda independiente en un panorama musical tan saturado? ¿Qué ventajas y qué retos han encontrado?

La ventaja es claramente la libertad y la independencia, pero los retos son bastantes, hay que invertir para lograr cosas fuertes y lo estamos haciendo en la mayor medida que podemos. Sin embargo, es algo que se disfruta, esta es mi pasión y no voy a renunciar a ella, como lo dije anteriormente, la vida siempre me trae de vuelta al mismo lugar y no voy a luchar más en contra de eso.

17. Si un fan escucha “Narcótica” en un momento de ruptura, ¿qué le gustaría que le quedara de la canción después de apagarla?

Seguro que le va a estar rondando en la cabeza esa frase “maldito el momento”, pero más allá de eso, que se haya desahogado y tomado fuerzas para seguir adelante, porque ese es el paso previo para soltar.
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