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Mustela Nivalis: "La música puede ser un espejo; si ofreces verdades crudas, alguien puede sentirse visto"

By    agosto 02, 2026 // No comments

Detrás de Mustela Nivalis se encuentra el músico ecuatoriano Said Jhessua Moncayo Pérez, un artista que ha convertido años de composiciones, experimentación y búsqueda personal en un proyecto donde la música funciona como un vehículo para explorar las emociones más profundas del ser humano. Alejado de las fórmulas convencionales, su propuesta combina atmósferas etéreas, texturas lo-fi y una marcada sensibilidad artística para abordar temas como la soledad, el vacío, la muerte o la desconexión emocional desde una perspectiva honesta y sin artificios.

Con motivo del lanzamiento de "Mors Latens", conversamos con el creador de Mustela Nivalis sobre la evolución de su proceso creativo, el reto de desarrollar un proyecto completamente en solitario, las influencias que han moldeado su sonido y la importancia de crear música capaz de acompañar a quienes atraviesan momentos difíciles. Una charla que invita a adentrarse en un universo donde cada canción es un refugio y cada silencio forma parte del mensaje.

1. Mustela Nivalis nació para dar identidad a composiciones que llevabas creando desde los 12 años. ¿Cómo ha evolucionado tu forma de escribir canciones desde aquellas primeras ideas hasta el sonido que presentas hoy?

Empecé componiendo a los 12 años con ideas crudas: acordes, letras sueltas y melodías que salían de mí sin mucha técnica. Con los años fui incorporando producción casera, experimentación con texturas y una sensibilidad hacia la atmósfera más que hacia la “canción pop” tradicional. Hoy escribo con una intención más pictórica: pienso en capas sonoras, espacios, silencios y en que la letra y la producción se alimenten mutuamente. He pasado de la urgencia adolescente a una búsqueda deliberada de climas emocionales que cuenten la historia completa.

2. Al ser un proyecto completamente solista, te encargas de la composición, la producción y también del apartado visual. ¿Qué ventajas y desafíos supone tener el control absoluto de cada aspecto creativo?

La ventaja es la libertad absoluta: puedo seguir una intuición sin negociar, mantener coherencia estética y experimentar sin límites. El desafío es la soledad creativa y la responsabilidad total: tomar decisiones en composición, sonido y visuales implica mucho trabajo y autocrítica. También puede faltar la mirada externa que aporta contención y nuevas ideas, por eso a veces busco colaboradores puntuales para pulir detalles.

3. En tus canciones exploras emociones como la soledad, el vacío, las adicciones o la muerte sin recurrir a un optimismo forzado. ¿Por qué consideras importante hablar de estos temas de una forma tan honesta?

Hablar de esos temas con honestidad me parece necesario porque negar o maquillar la oscuridad no ayuda a comprenderla. La música puede ser un espejo; si ofreces verdades crudas, alguien puede sentirse visto. No busco glorificar el dolor, sino nombrarlo y explorarlo con respeto: así se generan espacios de empatía y reflexión reales.

4. 'Mors Latens' nació de una improvisación en un momento de vacío emocional. ¿Recuerdas qué sentiste cuando te diste cuenta de que aquella improvisación se había convertido en una canción completa?

Sentí sorpresa y alivio. Lo que comenzó como una improvisación desde un hueco emocional tomó forma propia y supe que había algo honesto ahí. Fue emocionante ver cómo una sensación indefinible se transformó en estructura, letra y atmósfera: esa concreción me dio seguridad para seguir desarrollando la canción.

5. La frase "la ciudad cementerio es ya de almas sin vida" refleja una crítica a la desconexión emocional de la sociedad. ¿Crees que vivimos una época en la que cada vez cuesta más sentirse realmente vivo?

Sí, creo que hay una desafección generalizada: la hiperconectividad a veces trae más desconexión emocional. Vivimos una época con estímulos constantes pero pocas profundidades, y eso dificulta sentirse plenamente vivo. La frase intenta señalar esa anestesia colectiva, esa ciudad que parece latir pero está hueca por dentro.

6. Musicalmente, Mors Latens prescinde de la batería y apuesta por una atmósfera etérea con guitarras, texturas lo-fi y sonidos experimentales. ¿Cómo fue el proceso de construir ese paisaje sonoro y qué querías que sintiera el oyente?

La construcción sonora nació desde la limitación deliberada: prescindir de la batería dejó un espacio para reverb, guitarras flotantes y capas lo-fi que sostuvieran la sensación de vacío. Grabé texturas, jugué con saturación suave y efectos ambientales para crear un paisaje etéreo.

Quería que el oyente sintiera flotación, nostalgia y una leve inquietud, como caminar por un lugar conocido que ya no pertenece a nadie.

7. El videoclip apuesta por una narrativa surrealista y abierta a la interpretación. ¿Había imágenes o símbolos que considerabas imprescindibles para representar el universo de Mors Latens?

Había símbolos imprescindibles: espacios urbanos vacíos, objetos cotidianos fuera de contexto, rostros borrosos y elementos oníricos que sugirieran memoria y desarraigo. Buscaba una narrativa abierta —surrealista— que permitiera múltiples lecturas, sin forzar un mensaje concreto sino más bien provocar sensaciones y preguntas.

8. Tus influencias van desde The Growlers y Soundgarden hasta Extremoduro y Los Espíritus. ¿Qué elementos has tomado de cada uno de ellos y cómo consigues transformarlos en una identidad propia?

Esas bandas han sido una influencia, no una referencia directa. Escucho mucha música de estilos diversos y tomo de ella energías, texturas o maneras de abordar la emoción, pero nunca intento replicar a nadie. Al componer, parto de lo que quiero transmitir: mood, imágenes y sensaciones; a partir de ahí elijo acordes, timbres y arreglos que sirvan a esa intención. Ese proceso implica filtrar las influencias hasta convertirlas en materiales propios —una paleta de recursos— y recomponerlos en piezas coherentes con mi universo sonoro y lírico, evitando citas explícitas y buscando siempre autenticidad.

9. Hasta ahora has publicado sencillos independientes en lugar de un álbum o un EP. ¿Responde esto a una decisión artística o crees que todavía estás construyendo el universo que algún día dará forma a un trabajo de larga duración?

Publicar sencillos ha sido una decisión práctica y artística: me permite presentar piezas concretas, trabajar cada canción como un universo y medir direcciones estéticas sin apresurar un formato largo. También estoy construyendo el universo del proyecto; no descarto un EP o álbum cuando sienta que hay una narrativa o coherencia sólida que justifique un trabajo de larga duración.

10. Mustela Nivalis busca ser un refugio para quienes encuentran en la música una forma de comprender sus propias emociones. Si dentro de unos años un oyente te dijera que una de tus canciones le ayudó a atravesar un momento difícil, ¿sentirías que ese sería el mayor logro del proyecto?

Sería uno de los mayores logros. Si una canción ayuda a alguien a atravesar un momento difícil, significa que la música cumplió su función más humana: acompañar. Eso valida el proyecto mucho más que cifras o elogios; es la razón por la que hago música.

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Canparaní: "El arte, la alegría y la música nos recuerdan que somos una gran familia: la humanidad"

By    julio 26, 2026 // No comments

En un panorama donde la música infantil busca ir más allá del entretenimiento, Canparaní —abreviación de Canciones para Niños Grandes y Grandes Niños— propone un espacio de encuentro entre generaciones a través del juego, la creatividad y mensajes cargados de optimismo. Su nuevo sencillo, "Titilan Tilán", fusiona la carranga y el reggae para transmitir la importancia de los pequeños hábitos y la fuerza de voluntad, mientras invita a familias enteras a cantar, reflexionar y participar juntas. En esta entrevista, el grupo nos habla del origen del proyecto, de la influencia de la naturaleza en su proceso creativo, de su apuesta por publicar su próximo álbum canción a canción y de cómo creen que la música puede convertirse en una herramienta para construir una sociedad más empática, unida y consciente.

1.    Canparaní significa "Canciones para Niños Grandes y Grandes Niños". ¿Cómo nació este concepto y qué les inspiró a crear un proyecto pensado para conectar a diferentes generaciones?

Los integrantes de Canparaní hemos trabajado con infancias y observamos que padres o adultos acompañantes llevaban a sus chiquis a diferentes eventos artísticos sin involucrarse y/o ser parte del show. Vimos la oportunidad para promover encuentros entre diferentes generaciones desde el arte y el juego.

2.    Su música combina el juego, el aprendizaje y mensajes positivos. ¿Cómo consiguen equilibrar el aspecto pedagógico con la creación de canciones que también resulten entretenidas para toda la familia? 

Unimos la lúdica, el factor asombro y la creatividad, compartiendo mensajes sencillos que inviten a la reflexión y al pensamiento crítico de toda la familia.

3.    'Titilan Tilán' mezcla carranga y reggae de una forma muy natural. ¿Qué les llevó a unir estos dos estilos musicales y qué aporta cada uno al mensaje de la canción?

Dos lugares de los que más nos gusta disfrutar a los integrantes de Canparaní, son las montañas, el campo, la siembra, que se simboliza con la Carranga y el mar, la expansión, que se simboliza con el Reggae. 

4.    La canción habla de los pequeños hábitos y del poder de la voluntad. ¿Hubo alguna experiencia personal que inspirara la letra o el concepto de 'Titilan Tilán'?

En las discusiones que hacemos como grupo y cómo nos proyectamos, es cada vez más claro que los pequeños hábitos diarios y nuestra fuerza de voluntad, son claves para lograr nuestros propósitos grupales e individuales.

5.    Mauricio vive en la montaña y trabaja como apicultor, mientras que la naturaleza parece estar muy presente en la identidad de la banda. ¿De qué manera influye ese estilo de vida en la composición y en la visión artística de Canparaní?

La contemplación de la naturaleza y la autoobservación son fuente inagotable de inspiración para componer y compartir nuestra música.

6.    Mencionan influencias como Pim Pau, Canticuénticos, Totó la Momposina y Duo Karma. ¿Qué elementos han tomado de estos proyectos y qué creen que hace única la propuesta de Canparaní? 

Pimpau es juego y expresión corporal, Canticuenticos usan ritmos latinoamericanos y resaltan la identidad cultural, Toto la Momposina fue una gran difusora de la cumbia y Duo karma compone música para todas las edades donde promueven evitar el uso excesivo de pantallas. Todos esos conceptos están en Canparaní, donde los mezclamos con nuestra propia creatividad y vivencias compartiendo mensajes inspiradores con la intención de expandir nuestra mente y corazón.

7.    Su objetivo es que la mayor cantidad posible de personas de habla hispana cante 'Titilan Tilán'. ¿Qué esperan que sientan o reflexionen quienes hagan de esta canción parte de su día a día?

La invitación con esta canción es recordar la importancia de nuestros hábitos diarios y la fuerza de voluntad para lograr lo que nos propongamos en nuestra vida, Cantar el coro creyendo en lo que estoy diciendo, puede inspirar a que hagamos pequeños cambios en nuestro día a día que ayuden a mejorar nuestra vida.

8.    El tercer álbum irá publicándose canción por canción hasta principios de 2027. ¿Qué ventajas les ofrece este formato de lanzamiento frente a publicar el disco completo de una sola vez?

Nos permite enfocarnos en compartir de una manera más detallada, el concepto que queremos transmitir con cada canción.

9.    Han descrito el próximo sencillo, 'Chachafruto', como su "We Will Rock You" andino y latino. ¿Qué pueden adelantarnos sobre esta canción y por qué creen que tiene ese espíritu tan especial?

La canción empieza con un ritmo de tambor semejante a un latido del corazón donde proponemos frotar nuestras manos cuando decimos “Chacha” y luego tocar con una mano el corazón diciendo “fruto”, conectando la energía de nuestras manos con el corazón, todo esto cobijado por un ritmo andino con aire rockero.

10.   En una época marcada por la polarización, ustedes hablan de unir generaciones a través del arte, el juego y la música. ¿Qué papel creen que puede desempeñar la música infantil y familiar para construir una sociedad más empática y conectada?

Enfocarnos en lo que nos une, como el arte, la alegría, la generosidad, resalta nuestra verdadera naturaleza humana, conectando corazones y recordando lo que realmente somos: una gran familia: la humanidad.

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Noah Froid: convertir las emociones en música y sentir sin culpa

By    julio 12, 2026 // No comments

Detrás de Noah Froid existe una propuesta artística que trasciende la música para convertirse en un espacio de expresión emocional, honestidad y conexión humana. A través de canciones cargadas de sensibilidad y experiencias personales, Samuel Gallego ha construido un proyecto que invita a las personas a reconocer y compartir sus sentimientos sin miedo ni culpa. Su más reciente lanzamiento, Clavel, refleja esa esencia: una declaración sincera sobre el amor, la vulnerabilidad y la importancia de expresar aquello que habita en nuestro interior. En esta entrevista, el artista nos habla sobre la dualidad entre Samuel y Noah Froid, el origen de su mensaje, el proceso creativo detrás de Clavel y la manera en que busca transformar cada canción en un refugio para las emociones.

1. Noah Froid y Samuel Gallego son dos facetas de una misma identidad artística. ¿Cómo nació esta dualidad y qué representa cada una dentro de tu proyecto?

Esto viene desde el comienzo del proyecto en el año 2023, con la idea de crear una imagen o un personaje artístico (Noah Froid). Aunque bien sabido que logran ser dos “personajes diferentes”, son un complemento perfecto, ya que uno se encargaría de vivir, observar y escribir, y el otro, por su parte, de exteriorizar, compartir y conectar de una manera más suelta. Así que, en un breve resumen, Samuel Gallego se encarga en la totalidad de su tiempo de sentir, analizar, pensar. Mientras que Noah Froid es aquel que organiza aquellas ideas y las muestra a todo el público.

2. Tu propuesta invita a las personas a sentir sin culpa. ¿Qué experiencias personales te llevaron a construir este mensaje como eje central de tu música?

Viene principalmente de mi y de mis experiencias, hasta antes del nacer del proyecto sentía que aunque muchas canciones conecten con las personas quizá no es el objetivo de muchas agrupaciones o personas.

Aparte de un visible cierre que tenía yo mismo como persona, un estado donde no me sentía en total confianza para hablar de todo aquello que pasaba por mi mente y emociones.

Llegando así a una conclusión de que si yo mismo, una persona a veces tan cerrada, podía abrirme a expresar también dar este espacio y esta idea a quienes escuchan, apoyan y siguen el proyecto.

3. "Clavel" surge de una historia muy íntima y personal. ¿Qué tan difícil fue convertir esos sentimientos en una canción y compartirlos con el público?

Curiosamente, el proceso creativo de Clavel fue uno de los más fáciles hasta el día de hoy.

Al ser pensado como una declaración directa y sincera, muchas de las líneas de la letra venían fugazmente y venían acompañadas de la armonía que fue hecha en el mismo instante.

Lo que realmente sí costó un poco más fue pensar en si publicarla o no, ya que realmente era algo completamente diferente tanto en temáticas como en musicalización.

También por este hecho de que era algo muy personal, muy mío. Pero luego de que los compañeros de banda y otras personas lo escucharan y me dieran sus opiniones, esta idea cambió radicalmente y ahora es el último lanzamiento de Noah Froid del cual me siento completamente orgulloso.

4. ¿Qué significa para ti la frase "hablarte como la primera vez" y por qué se convirtió en uno de los momentos más representativos de la canción?

Esta frase es realmente una de las más importantes: “Mirarte como la primera vez”

Ya que a la persona a la que está escrita esta canción la conocí hace ya varios años y la primera vez la vi a esta fue como un flechazo automático, el cual cada vez que la veía volvía a pasar cada vez con más fuerza y se incrementaba constantemente.

Después de pasar el tiempo y dejarla de ver por un tiempo, tomando la decisión de hablarle y volverla a ver, sentí ese mismo flechazo como “la primera vez” que la vi.

5. "Clavel" surge de una historia muy íntima y personal. ¿Qué tan difícil fue convertir esos sentimientos en una canción y compartirlos con el público?

La canción es perfecta para conectar las relaciones de las personas, que conecte y cree historias entre quienes escuchen y puedan llegar a sentir esta canción como una perfecta declaración para quienes amen en su momento.

Realmente me gustaría que fuese recordada como una oda al amor consciente, inocente y profundo.

6. La canción cuenta con una versión acústica y otra con banda completa. ¿Qué diferencias emocionales y sonoras encuentra el oyente entre ambas?

La diferencia emocional: aunque las dos constan de la misma letra, su versión acústica es más como una balada tranquila, para sentirse de una manera más íntima, casi como un susurro o una caricia suave hacia la persona a la que se le habla.

Su versión full band es más explosiva, casi como si fuese una necesidad propia de hablarle y darle a conocer los sentimientos propios a la otra persona. Casi como un grito de “mírame, mira quién soy y mira qué siento por ti”

En el tema instrumental, estas ideas se logran, ya que en la versión acústica su instrumentación cuenta con guitarras acústicas, aunque con mucha dinámica no llegan a ser estridentes y/o invasivas, un bajo acústico y coros con una dinámica suave y tierna.

Mientras que su versión full band, que visiblemente cuenta con guitarras eléctricas, batería, órgano y con más fuerza en la voz se denota esta explosividad y esta energía característica de una balada rock

7. Tus influencias musicales abarcan desde el rock clásico y progresivo hasta la música académica y el jazz. ¿Cómo logras integrar todos esos referentes en una propuesta con identidad propia?

Bueno realmente todas estas influencias se logran apreciar en la música, por cómo está hecha la música con ciertas bases de música clásica, como sus estructuras o movimientos en las voces entre instrumentos, aparte de la armonía agregada muy utilizada en géneros como el jazz, a esto sumado la fuerza y las instrumentaciones clásicas del rock y como se usa cada uno de los elementos con los que contamos dentro del proyecto. También, como identidad visual, vemos que no es usual la vestimenta de Noah Froid, una vestimenta de traje para una banda de rock, casi como si fuese un músico de academia clásica o un jazzista de los años 50-60. Lo cual puede ser disruptivo, pero a su vez único y diferente a lo que se suele ver en una banda de rock estéticamente.

8. Uno de los objetivos de Noah Froid es crear espacios para liberar emociones. ¿Cómo llevas esa intención a tus presentaciones en vivo?

Principalmente participando, hablando y adentrándose a las temáticas de las canciones y compartiéndolas con el público. También mostrando cómo cada uno de los sentimientos que puede abarcar una canción exteriorizando de una manera corporal, interpretativa y narrativa.

9. Inicialmente "Clavel" iba a formar parte de un EP, pero terminó siendo un sencillo. ¿Qué características hicieron que la canción mereciera un lanzamiento independiente?

Sentí, a la hora de terminar las grabaciones de esta canción que tenía y tiene todo el potencial para ser solo un sencillo, también el hecho de que sentía que era un trabajo que, aunque se puede encajar en muchos otros como un EP, tal vez pudiese perderse un poco su mensaje tan importante al estar en una macro idea que suelen manejar los EP o álbumes de larga duración.

10. Uno de los objetivos de Noah Froid es crear espacios para liberar emociones. ¿Cómo llevas esa intención a tus presentaciones en vivo?

Me gustaría que la música llegase a muchos otros lugares, que las personas se tomaran el tiempo de conocerme y con esto llegar a viajar fuera de la ciudad para emprender y mostrar este proyecto por fuera.

Compartir en nuevos espacios, nuevas personas y nuevas experiencias tanto para mi como artista, como para el público que se da a la oportunidad de conocerle en vivo. También con la capacidad total de llegar a su casa y escucharlo en plataformas de streaming.

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La Bandada: el “pop místico” que convierte la literatura y las causas sociales en canciones

By    julio 05, 2026 // No comments

Desde Medellín, La Bandada ha construido una propuesta artística que trasciende los límites de la música convencional. Integrada por mujeres provenientes del teatro, la música y las artes escénicas, la agrupación fusiona literatura, dramaturgia, cuerdas andinas y ritmos contemporáneos para dar vida a lo que ellas mismas denominan “pop místico”. Su más reciente sencillo, Vivir en Ti, rinde homenaje a los donantes de órganos y sangre a través de una mirada sensible sobre la gratitud, la solidaridad y la segunda oportunidad de vivir. En esta entrevista, la banda habla sobre sus orígenes, sus influencias literarias, el compromiso social de sus canciones y los retos de llevar su propuesta a escenarios internacionales.

1. ¿Cómo nació La Bandada y qué motivó la creación de este proyecto musical en Medellín en 2021?

La Bandada nace en marzo de 2021, en plena pandemia, del encuentro de varias mujeres que veníamos del teatro, la música y la literatura. Lo que nos juntó fue una pregunta que sonaba sencilla pero que terminó siendo nuestra columna vertebral: ¿cómo suena un libro cuando se canta? Queríamos hacer canciones que tuvieran la fuerza emocional de la música y la profundidad de la palabra escrita — que las dos cosas se sostuvieran entre sí, sin que ninguna le quitara espacio a la otra. Medellín era el lugar natural para que esto pasara: una ciudad con una escena musical viva, con muchas mujeres haciendo cosas valientes, y con un ecosistema de estímulos públicos que en esos primeros años nos dio el aire para arrancar. La Bandada nace ahí — en una ciudad que sabe escuchar y entre mujeres que querían cantar lo que les estaba pasando por dentro.

2. ¿De qué manera la formación en teatro, música y artes escénicas de sus integrantes influye en la identidad artística de la agrupación?

Esa formación es probablemente lo que más nos diferencia. Las tres venimos de mundos distintos pero complementarios: Alejandra Pulgarín es licenciada en teatro de la Universidad de Antioquia, Karen Castaño es técnica en música y actriz formada en la Escuela de Artes Débora Arango, y Jessica Duque es tecnóloga en música de la misma escuela. Eso significa que para nosotras una canción nunca es solo audio: es también cuerpo, presencia, texto interpretado, gesto. Bajo la dirección escénica de Julián Pineda — maestro en arte dramático de la Universidad de Antioquia — cada concierto se trabaja como una pieza teatral: hay arco dramático, hay vestuario conceptual, hay cuerpo en escena. Esa mezcla entre lo musical y lo teatral nos permite hacer algo que no es solo concierto y tampoco es solo obra — es una experiencia híbrida donde la canción es uno de los lenguajes, pero no el único. La Bandada define su propuesta como "pop místico".

3. ¿Qué significa este concepto para ustedes y cómo se refleja en sus canciones?

"Pop místico" es, antes que una etiqueta de género, un intento de nombrar algo que sentíamos que aún no estaba nombrado. Es una categoría que decidimos inventarnos porque las que ya existían no nos alcanzaban para describir lo que estábamos haciendo. Pop, por un lado, porque queremos ser accesibles: nos importan los estribillos memorables, las melodías que se pueden cantar, las canciones donde cualquiera pueda entrar y recordar. Y místico, por el otro, porque entendemos la música como una de las formas más antiguas que tiene el ser humano de conectarse con lo divino — entendiendo lo divino no como algo lejano o religioso en sentido estricto, sino como aquello sagrado que nos rodea en la cotidianidad: el cuidado, el cuerpo, la pérdida, el amor, los actos pequeños que cambian destinos.

La fusión de esas dos palabras — pop y místico — habla de algo que para nosotras está en el centro del proyecto: lo popular y lo sagrado no son universos separados. Una canción que suena en una camioneta, en la fila del banco o en una sala de espera puede ser tan profunda como un rezo. Y a la inversa, lo que parece sagrado muchas veces vive en gestos ordinarios — alguien que dona sangre sin saber para quién, una madre que canta a su hija, una desconocida que sostiene a otra cuando se cae. Vivir en Ti es exactamente eso: una canción accesible que habla de algo sagrado.

Nombrar nuestra propuesta como "pop místico" es también un ejercicio de identidad. Sabemos que el mercado funciona con géneros, y que las bandas que no caben en una etiqueta clara tienen un camino más difícil. Pero preferimos inventar nuestra propia categoría a forzarnos a entrar en una que ya existe y que no nos representa del todo. Es un riesgo comercial, sí, pero también es un acto de búsqueda — una manera de decir: esto que estamos haciendo merece su propio nombre. La identidad propia, para nosotras, vale más que la facilidad de ser catalogadas.

4. ¿Por qué decidieron fusionar géneros como el afrobeat y las cuerdas andinas dentro de su sonido? 

Porque queríamos un sonido que tuviera raíz y a la vez capacidad de viajar lejos. Las cuerdas andinas — el charango, el tiple, la bandola, la guitarra andina — son la memoria sonora de nuestro territorio. Latinoamérica suena así: a montaña, a copla, a canción de raíz. Pero al mismo tiempo queríamos sacar ese sonido del marco folclórico, llevarlo a otro lado. Ahí entró el afrobeat — no como ornamento exótico, sino como pulsación. El afrobeat es un género global hoy, con una potencia rítmica y emocional enorme, y al cruzarlo con las cuerdas andinas pasa algo interesante: la canción se vuelve bailable sin perder profundidad. Es una fusión que reconoce las dos diásporas que nos atraviesan como latinoamericanas — la indígena y la africana — y las pone a conversar en una misma canción. Y al hacerlo, nos permite proponer una manera de sonar que sea radicalmente nuestra y a la vez radicalmente contemporánea.

5. ¿Qué papel juegan la literatura, la poesía y la dramaturgia en el proceso de composición de sus canciones?

Son el punto de partida casi siempre. Nuestro repertorio toma como pretexto a autores como Angélica Liddell, Shakespeare, Charles Bukowski, Edgar Allan Poe, Alfonsina Storni y Sarah Kane, además de dramaturgias y relatos del territorio colombiano. La Julieta nace de una relectura feminista de Shakespeare. Ya'aburnee parte de la palabra árabe que nombra el deseo de morir antes que una persona cuya ausencia sería insoportable, y se construye con citas de varios autores. Un pájaro azul es una canción inspirada en el poema homónimo de Bukowski. Lo que hace la literatura por nosotras es darnos lugares emocionales que ya están explorados con mucha hondura por escritores que sabemos que saben — y nuestro trabajo es traducir ese pensamiento al lenguaje de la canción, sin perder la profundidad pero sí ganando ritmo, cuerpo, voz. La literatura nos enseña a escribir mejor las canciones que no parten de ella; nos enseña a respetar la palabra.

6. ¿Cómo surgió la idea de crear "Vivir en Ti" como homenaje a los donantes de órganos y sangre?

Vivir en Ti nace de un lugar que ya nos venía dando vueltas hace tiempo. Como banda, seguimos campañas y causas sociales que hablan de los cuidados, del cuerpo, de las cosas que se hacen por los demás sin esperar nada a cambio — y la donación de órganos y de sangre es una de esas conversaciones que en Colombia y Latinoamérica todavía pasan demasiado bajo el radar. Hay miles de personas esperando un trasplante o una transfusión, y al mismo tiempo hay miles de personas que podrían donar y no lo hacen porque nadie les ha contado lo que significa, o porque el tema sigue rodeado de mitos y silencios. Quisimos hacer una canción que entrara por otro lado: no desde la pedagogía, no desde la estadística, sino desde la emoción pura. Desde la voz de alguien que recibe ese regalo y no puede creer que exista. La canción está narrada desde la voz de quien recibe una segunda oportunidad de vida.

8. ¿Qué buscaban transmitir a través de esa perspectiva?

Quisimos cantar desde el asombro. Imagínense la pregunta que debe atravesar a alguien que recibe un órgano o una transfusión: "alguien que no me conocía decidió, en algún momento, dar algo de sí para que yo pudiera vivir — ¿cómo se le agradece eso?" Esa pregunta no tiene una respuesta racional, solo una respuesta emocional. Y la canción es esa respuesta. Quisimos que la gente entrara en la canción como entra el que recibe: confundido, agradecido, lleno de preguntas, transformado para siempre. "No sé tu voz, no sé tu andar, pero tu fuerza me enseñó a regresar." Esa estrofa lo dice todo: el agradecimiento a un desconocido es uno de los gestos más intensos que un ser humano puede experimentar — y al mismo tiempo es un gesto callado, íntimo, casi imposible de comunicar. La canción intenta nombrar eso. 

También nos importaba que la perspectiva de quien recibe sirviera como espejo para quien escucha. Si alguien que está pensando si quiere ser donante o no oye esta canción y siente — aunque sea por tres minutos — lo que sentiría la persona que pudiera vivir gracias a su decisión, entonces la canción está haciendo su trabajo.

9. ¿Cómo fue el proceso de producción de "Vivir en Ti" y qué importancia tienen elementos como el piano, el violín y las armonías vocales en la construcción de su atmósfera emocional?

La letra llegó primero, casi entera, antes de que entendiéramos del todo qué estábamos diciendo. A partir de ahí, la música se fue armando alrededor de la palabra — no al revés. Queríamos una producción despojada, casi de cámara, para que la letra respirara y nada la tapara.

El piano fue el primer instrumento en aparecer: sostiene la fragilidad de las primeras estrofas, marca el pulso emocional desde el principio. El violín entró después como una capa más íntima, casi confesional — es ese instrumento que parece estar hablando al oído, que aporta una textura de cuerda clásica dentro de una propuesta pop. Y la batería marca el paso del recogimiento al clímax: empieza casi imperceptible y va creciendo hasta abrirse del todo en el coro final.

Las tres voces nos vamos turnando a lo largo de la canción — cada una toma un fragmento, como si fuéramos tres personas distintas contando la misma historia desde su propio asombro. Esa decisión vino de entender que la donación también es una cadena: un acto que pasa de cuerpo en cuerpo, de mano en mano, anónimamente. Hacia el final, cuando llega el clímax emocional, las voces dejan de turnarse y se vuelven un solo cuerpo coral. Ese momento es el corazón de la canción y, para nosotras, el corazón de lo que queríamos contar.

10. ¿Qué esperan generar en el público al abordar temas como la donación, la equidad de género, el duelo o las personas desaparecidas en su música?

Queremos abrir conversaciones. Esa es la palabra clave: conversaciones. Hay temas que en Latinoamérica todavía pasan por debajo de la mesa — la donación de órganos, el feminicidio, las desapariciones forzadas, el duelo no validado, las violencias cotidianas hacia las mujeres — y eso pasa, en parte, porque no encontramos las palabras para hablarlos. La música tiene algo que ningún folleto, ninguna estadística, ninguna campaña gubernamental tiene: la capacidad de hacer sentir, no solo entender. Cuando una canción te llega, te cambia algo por dentro — y de ahí salen las preguntas que después uno hace en la cocina, en el carro, en la sala de espera.

No pretendemos que nuestras canciones resuelvan problemas estructurales — sería ingenuo. Pero sí queremos que sean detonantes: que alguien escuche Ya'aburnee y piense en las mujeres que faltan; que alguien escuche Vivir en Ti y hable con su familia sobre donar; que alguien escuche La Julieta y se pregunte por qué seguimos contando historias de mujeres que mueren por amor. La música puede ser una manera de cuidar — y eso, en una región atravesada por tanta violencia, no es poco.

11. ¿Cuáles son los próximos proyectos de La Bandada y qué expectativas tienen frente a escenarios internacionales como BIME Live y MIM LATAM?

Después de Vivir en Ti viene una temporada activa de lanzamientos. Estamos trabajando en nuevos sencillos que profundizan la fusión entre el afrobeat y las cuerdas andinas, y que exploran nuevas conexiones entre la literatura y la música. También estamos preparando contenido audiovisual — sesiones en vivo, videos performativos — que acompañe cada lanzamiento, en colaboración con nuestra productora audiovisual.

En paralelo, estamos postulándonos a escenarios internacionales que nos parecen claves para esta etapa del proyecto. BIME Live Bilbao es para nosotras una puerta concreta al mercado español y europeo: un mercado profesional donde se construyen alianzas con programadores, sellos y agentes, y donde una banda como la nuestra — autogestionada, latinoamericana, con propuesta híbrida — puede encontrar interlocutores que entiendan lo que hacemos. Encuentro MIM LATAM, en Ciudad de Panamá, es para nosotras una articulación con la red iberoamericana de mujeres y disidencias en la música — un espacio donde el liderazgo femenino no es un eje secundario sino el centro de la conversación, y donde el lema de este año, Resonamos Desde Adentro, dialoga directamente con nuestro repertorio y con la manera en que entendemos el oficio.

No vamos a estos escenarios pensando solo en lo que podríamos traer de ellos. Vamos a ofrecer lo que ya tenemos: una propuesta sonora distinta, una puesta en escena cuidada, un equipo de trabajo profesional, y la convicción de que la música independiente latinoamericana hecha por mujeres tiene cosas importantes que decir al mundo. Si esos showcases se traducen en una minigira ibérica en 2027, en alianzas con sellos o managers que crean en nosotras, en programación en festivales europeos o latinoamericanos para 2027–2028 — todo eso será consecuencia, no causa. Lo que nos importa primero es seguir haciendo canciones que valgan la pena.

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Cielo Rojo: “Seguimos soñando y apostándole al rock en medio del ruido actual”

By    junio 25, 2026 // No comments

Desde las calles y atardeceres del Quindío hasta su regreso a la escena alternativa con Las venas de Venus, Cielo Rojo ha construido una identidad marcada por la introspección, la fuerza del rock y la exploración sonora. Lo que comenzó como un grupo de amigos reunidos para tocar covers y “torturar el silencio” terminó convirtiéndose en un proyecto de vida que hoy vuelve a tomar impulso tras varios años de pausa. En esta conversación, la banda habla sobre sus raíces en Armenia, la evolución de su sonido, el peso emocional de sus letras y el desafío de crear música auténtica en tiempos de hipercomunicación y ansiedad colectiva.

1. ¿Cómo recuerdan esos primeros años de Cielo Rojo en Armenia y en qué momento sintieron que el proyecto dejó de ser un “parche de amigos” para convertirse en un proyecto de vida?

Esos primeros años eran un “parche”, esperando que llegara el fin de semana o los días de ensayo para descargar y “torturar” el silencio como dice Luis (nuestro bajista), pasarla bien, retarnos a aprender y mejorar tocando los covers de nuestras bandas favoritas; vivíamos el momento, también soñando un poco, recorriendo las calles de nuestra ciudad y disfrutábamos todo aquello sin muchas pretensiones. Empezar a escribir y componer canciones propias, además del feedback que empezamos a recibir de amigos y seguidores, nos daba señales de que la banda podría volverse algo más serio y profesional. El Ermitaño, nuestra primera canción publicada, fue un momento de inflexión.

2. El nombre de la banda nace de los atardeceres del Quindío. ¿Cómo creen que esa identidad visual y emocional de su tierra sigue presente en su música?

Creo que esos momentos vividos, en especial pasar de la adolescencia a la “madurez”, los lugares, recuerdos, personas, música, las modas y lo que sentimos marcan nuestras vidas. Esas épocas significativas siguen ahí, son esa llama que intentamos que nunca se apague, el combustible para seguir haciendo música. No importa a dónde nos lleve la vida, siempre habrá algo de eso en nuestro equipaje, sobre todo la música que nos marcó.

3. Sus influencias van desde Soda Stereo hasta Metallica. ¿Cómo logran equilibrar sonidos tan distintos dentro de la propuesta de Cielo Rojo? 

Ese contraste de influencias musicales ha enriquecido y dado forma a nuestro sonido, realmente no ha sido un “conflicto”, y con el paso del tiempo ha evolucionado, se adapta, se transforma, pero de algún modo sigue en el ADN musical. Lo que hacemos siempre tendrá esa carga de fuerza y pasión del rock, nos gustan los riffs, los viajes sonoros, las buenas letras y melodías.

4. Ustedes hablan de crear canciones abiertas a la interpretación. ¿Cuál ha sido la reacción o lectura más inesperada que alguien les ha compartido sobre sus letras? 

Somos de la escuela de las letras profundas, no directas, metafóricas, y es curioso, porque es una de las cosas que vemos que más valoran nuestros seguidores. La canción “El Ermitaño” es un ejemplo de ello, que habla de la manipulación religiosa y política, y a pesar de ser una canción de hace muchos años y de su temática poco comercial, aún recibimos comentarios de personas que dicen que esa canción ha marcado su vida y recuerdos.

5.‘Las venas de venus’ marca el regreso de la banda después de un largo receso. ¿Qué cambió en ustedes personalmente y musicalmente durante ese tiempo lejos de los escenarios?

La vida está en constante movimiento, todos cambiamos en mayor o menor medida: las circunstancias, el entorno, las personas y hoy más que nada, el efecto de las redes sociales y la globalización. Estos y otros aspectos hacen parte de los insumos creativos. Los gustos musicales pueden reafirmarse, adoptar nuevas influencias, experimentar o ser más sensatos en el discurso artístico, sin embargo, no podemos dejar de lado el hecho de que ahora somos más grandes “mayores” (risas), que algunos hemos formado familia, hay otras responsabilidades y actividades profesionales complementarias, el tiempo es más compartido, pero aún seguimos soñando. Musicalmente sentimos que hay un sonido que nos caracteriza y eso lo han captado y comentado los fans con Las venas de Venus. La venas reafirma ese legado sonoro que nos marcó y que hoy intentamos mantener vigente.

6. La canción habla de desconectarse del caos actual y buscar alivio emocional. ¿Sienten que hoy la música tiene una responsabilidad distinta frente a la hipercomunicación y la ansiedad colectiva?

La música ha sido una válvula de escape generacional y emocional, así lo veo yo; pero hoy muchos se pueden sentir agobiados, perdidos entre la cacofonía mediática y sonora que promueven los grandes monopolios. Debe haber espacios de refugio, son necesarios, así sea una labor en contracorriente. Ahí está el papel del arte y la música, cada quien le da el uso que quiera y encontrará los significados para su mundo. Las venas de Venus, es una invitación a beber de la fuente universal y navegar en sus aguas, para de alguna manera hacerle frente a la hipercomunicación y la ansiedad colectiva.

7. Musicalmente, el sencillo mezcla rock and roll, shuffle, swing, loops y atmósferas más modernas. ¿Cómo fue el proceso de producción para encontrar ese balance entre nostalgia y actualidad?

Los beats en Shuffle dan mucho movimiento y versatilidad a la hora de hacer música, las métricas atresilladas (compases en 12/8, 6/8, etc.) son muy populares para saltar y bailar, pero nosotros no las hemos explorado mucho; bandas como Muse tienen temas geniales de este tipo, Depeche Mode, “Personal Jesus”; Green Day lo usa mucho en sus temas. Los elementos de la música electrónica han ido tomando relevancia en la banda, los teclados, efectos sonoros y loops refuerzan las atmósferas de las canciones; creo que esto le da un toque más actual, pero siempre con la guitarra como eje y el énfasis en el efecto del delay, en el caso de las Venas. De alguna forma estamos conciliando la nostalgia y la actualidad.

8. El videoclip trabaja mucho la dualidad emocional y los contrastes visuales. ¿Qué querían transmitir con esa protagonista que oscila entre emociones opuestas? 

El video es más directo que la letra de la canción (risas). Hoy todo es muy visual, y creo que Carlos (nuestro cantante/guitarrista y encargado de los videoclips) lo entiende muy bien. El público puede ver en el manejo del color, los espacios y las actuaciones esa dualidad. Como siempre, todos podemos tener múltiples interpretaciones al respecto; de eso se trata, de la libertad del arte y la comunicación. La introspección es vital; nosotros somos los protagonistas y los únicos que sabemos qué hay “adentro”. 

9. Después de varios años desde ‘Bitácora del Silencio’, ¿qué significa para ustedes volver a entrar en la conversación de la escena alternativa colombiana y latinoamericana? 

Es retador, pero motivante, hay muchas sensaciones y emociones al respecto. Volver al ruedo, traer algo nuevo, las expectativas, la reacción de la gente, ver qué tanto a cambiado la escena, los retos y cómo entrar en vigencia. Esto nos pone en función creativa y de gestión, con el objetivo de llegar a nuevas audiencias, reactivar a nuestros fans, recorrer el país y cruzar fronteras, seguir apostando al rock.

10. Dicen que este lanzamiento podría ser el inicio de un cuarto disco o una serie de sencillos. ¿Cómo imaginan el futuro creativo de Cielo Rojo en esta nueva etapa? 

La dinámica actual está dirigida a lanzar más sencillos que discos, pero eventualmente estos podrían ser parte de un álbum. Sin embargo, la generación permanente de “contenido” que demandan hoy las redes, su inmediatez y formatos de fácil consumo nos replantean un poco la parte creativa. Tenemos y seguiremos haciendo canciones que primero nos gusten a nosotros, pero a su vez que sintonicen de alguna manera con el público, No somos ajenos a todos esos cambios y las necesidades artísticas actuales. La forma compositiva y de producción ahora es usar muchas herramientas, optimizar recursos, el tiempo y el trabajo remoto; eso ya lo hemos implementado, pero el insumo creativo es la vida misma, el diario vivir, los sueños, las luchas y la actualidad. Es muy probable que las venas de Venus como línea temática funcionen para nuevas canciones. Lo más importante es que nosotros como banda sigamos conectados. 

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